Guapísimas #45

El sótano del primo Barto: Agria melancolía

Las dos primeras obras que leí de Neil Gaiman y Dave McKean fueron Violent Cases y Mr. Punch, una detrás de otra, no podía ser de otra forma debido a lo fascinante de su trabajo. Ni siquiera sé cual leí primero, solo sé eso, que una me maravilló y me lancé de lleno a la otra. Sin embargo, para mi desgracia no he vuelto a leer nada de dichos autores que se acerque al nivel de los dos cómics mencionados. Esto no lo digo porque el resto de su producción, ya sea en conjunto o separados, sea mala, sino que resultan inferiores de forma ofensiva si las comparamos con estas dos primeras obras magistrales tanto por su guión como apartado artístico.

Con posteridad, los dos autores han trabajado de diversas maneras el género de terror o fantástico, incluso la obra Sandman de Neil Gaiman es considerada por mucho como una de las mejores obras de la pasada década de los noventa. Sin embargo, ninguna se acerca a las cotas de Violent Cases y Mr. Punch, unos cómics en los que lo fantástico y lo tenebroso se tocan de forma tangencial pero con una rotundidad tan certera que no podemos más que colocarlas en un altar. Los dos cómics comparten esa base del horror que tantas veces hemos comentado aquí, las experiencias traumáticas durante la infancia, lo que provoca que actos desde el punto de vista adulto en apariencia normales se conviertan en horrores casi innombrables.

En el caso de Mr. Punch asistimos a una revisitación de la historia de títeres más clásica de toda Europa en su versión anglosajona, mientras que el caso de Violent Cases es aún más liviano, ya que a la propia infancia se le añade el valor de la propia memoria, pasando esos recuerdos de la niñez por una reflexión adulta que trata de reconstruir algo que quizás no llegó a suceder. Lo más curioso de los casos de Mr. Punch y Violent Cases es que los guiones de Neil Gaiman son bastante livianos, huyendo de complejas estructuras llenas de personajes complejos, giros inesperados o siquiera un final de infarto. En su lugar, Neil Gaiman selecciona con cuidado unas pinceladas concretas para crear un escenario único que tras su lectura provoca más una sensación de experiencia compartida que la sensación de haber sido espectador de una historia. El trabajo gráfico de Dave McKean apoya esta tendencia de los guiones con un dibujo que en lugar de buscar un realismo fotográfico, o si quiera aritmético, el artista opta por un estilo más psicológico y una narrativa más emocional al servicio de la historia.

Es cierto que Neil Gaiman y Dave McKean han creado otras obras que podrían entrar más de lleno en el género de horror, como su fantástico cómic ambientado en el universo de Hellraiser, creado por el novelista Clive Baker. Pero estas dos obras señaladas poseen la magia de esos textos que en lugar de atacar a la yugular acarician con suavidad el dorso de una mano, que en lugar de intentar horrorizar al lector le trasportan a sus propios recuerdos de niñez, cuando el horror era real y estaba presente en el día a día, algo que con el paso de los tiempos se va difuminando, asustándonos cada vez menos a medida que se rompe nuestra unión con el mundo mágico.

#POWERPAINS vol.2 2x03

No eres tú, soy yo: #47

9News (26-8-2012)

Bienvenidos otro domingo más "9News", el noticiario de "LaRaña". Si esto fuera un informativo, ahora se escucharía nuestra sintonía; si estuviéramos, tendríamos una cabecera por sección... y si apareciera en un periódico al uso, lo primero que leeríamos serían los titulares... Aquí mandan las imágenes, tras ella, comenzamos. Y a por los breves.

¡Extra!, ¡Extra!

1) A partir del segundo número de la miniserie que DC está publicando sobre el universo de Eternia cambia el guionista. Keith Giffen sustituye a James Robinson al frente de "He-Man y los Masters del Universo", aunque continuará con las tramas ideadas por su antecesor.
2) Tony Scott, el hermano de Ridley Scott, ha fallecido esta semana tras tirarse desde un puente de Los Ángeles. El director de "Top Gun" aparcó su coche y se lanzó al agua.
3) Scott Snyder y Greg Capullo llevan tiempo preparando la vuelta del Joker, con una imagen más agresiva, en una historia que llevará por título: "El regreso del Joker: Una muerte en la familia". Hasta el momento no se había desvelado el look del payaso del crimen, pero DC lo ha filtrado en una portada de otra colección.
4) Otro personaje que regresa al círculo interno del hombre murciélago es Cerillas Malone. Este otro álter ego de Bruce Wayne reaparecerá en "Batman Inc." de la mano de Grant Morrison.
5) Rob Liefeld abandona la editorial de Superman y Batman, que dejará las tres series que escribía desde los próximos números cero de septiembre. La polémica ha surgido en el twitter del autor, donde ha desvelado las razones de su salida: los editores, donde ha continuado tirando del hilo en sucesivos tuits.
6) "Arrow" es la nueva serie televisiva que se emitirá en "The CW" sobre el personaje Flecha Verde. Ya se ha podido ver el trailer extendido, en el que se aprecia mejor la pinta que tiene.
7) El próximo mes de noviembre marcará el final de "The Boys". La mítica colección de Garth Ennis llega a su fin en el número 72, seis años después de que comenzara su andadura en el 2006.
8) Otro que se marcha, aunque esta vez de Marvel, es Ed Brubaker. Tras dejar "Capitán América", ahora abandona también "Soldado de Invierno" para dedicarse a otros proyectos más personales.
9)  Se han desvelado los finalistas a los Premios de la Crítica 2012, organizados por la revista Dolmen y entregados, cada año, en la ceremonía de clausura de las Jornadas de Cómic de Avilés, que este año serán el 15 de septiembre. Aquí tenéis a todos los nominados.Devolvemos la conexión.

Seguiremos informando.

Spain is Pain #65: Viñetas tóxicas y de dudoso altruismo.

Los noventa fueron un periodo bastante curioso en cuanto al panorama del cómic nacional se refiere tras el intento de revitalizar la revista Makoki con unos resultados notablemente penosos, El Víbora se mantiene como la única revista con una trayectoria larga y consolidada y en el horizonte no parecía que fuese a aparecer nada excesivamente rompedor o novedoso.

Sin embargo, estaba Subterfuge: el fanzine, la discográfica, la editorial de tebeos, etc. Si bien en el panorama discográfico tuvo un periodo dorado tras el cual abandono el cómic y el fanzine, origen primero de la discográfica. Este tenía desde sus inicios una clara orientación y querencia por el cómic, ya que formaban parte de la publicación como contenido habitual, así como especiales dedicados al cómic brutal que se suscribían bajo la etiqueta de lo que se llego a denominar como Línea Tremenda.

Los noventa, como dije, fueron convulsos y como decía el sabio “el milenarismo va a llegar” y fueron algunos de los comix editados por Subterfuge los que dieron el pistoletazo de salida a la cultura del apocalipsis española: un Miguel Ángel Martín ya consagrado publicaba constantemente en el fanzine hasta el punto de ser el responsable de la imagen corporativa de la marca, un primerizo Paco Alcazar, Enrique Lorenzana o Borja Crespo marcaban la pauta de lo que seria una forma de entender el cómic muy particular.

Pero entre todos los autores que publicaron en la editorial destaca uno por ser el que mejor encarna los valores (o la falta de estos) de la Línea Tremenda; se trata de Ladrón. Este desarrolla su visión del cómic en 5 álbumes: ¿Dónde están las tripas, Matarile? (Subterfuge Comix 1995), El hombre de los caramelos (Subterfuge Comix 1996 y La Tombola Comics / E.C.U. Editorial. 2003), La Mocopandilla (Subterfuge Comix 1998), Pandemonium (Subterfuge Comix 1999), y El hombre de los caramelos. Speedball (Subterfuge Comix 2000/2001), conteniendo este último el mismo material que el primer El hombre de los caramelos con alguna historieta extra.  

                        

En los comics de este autor nos encontramos con un universo sucio tanto en la descripción de ambientes y personajes como en las narrativas que se desarrollan en estos. En estas historias el autor no pretende dar ningún tipo de concesiones al lector por el tipo de violencia ejercida en estas. En la obra de Ladrón aparece una violencia desgarrada inherente a los espacios y los personajes descritos, es decir, personajes unidimensionales que se definen por la violencia que ejercen de manera indiscriminada única y exclusivamente por diversión. Personajes que disfrutaban del desprecio lúdico de la vida humana que hace que por momentos el Hitler=SS de Vullemin parezca una hermanita de la caridad.

Del trabajo de Ladrón destaca un dibujo excepcional al servicio de unas historias que tienen más que ver con el underground americano que con el cómic nacional y del que todavía hace gala en ilustraciones para Ruta 66, en la que cada mes publica una ilustración de alguna leyenda musical, no hay que olvidar que la obra de este autor esta fuertemente influenciada por la música, todos sus tebeos están cargados de referencias musicales.

A estas alturas del siglo XXI se hecha de menos los comix de Ladrón, porque quizás no fuese el mejor autor de ese periodo, ni sus historias fuesen a cambiar el lenguaje del noveno arte, pero si tenían y siguen teniendo frescura y ganas de incomodar al personal, Lo cual hace falta, y mucho.

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Guapísimas #44

El sótano del primo Barto: Fotogramas, viñetas y sangre infectada

Si tuviéramos que pensar en el último boom del género de terror en español seguro que a la mente perversa de la mayoría de nosotros llegaría la saga cinematográfica Rec, obra de los directores Jaume Balagueró y Paco Plaza, quienes están tras la dirección de las dos primeras, mientras que Paco Plaza ha dirigido la tercera parte, Rec 3: Génesis, mientras Balagueró se ha reservado el honor de cerrar la saga dirigiendo la cuarta película Rec 4: Apocalipsis. No vamos a negar la calidad de las películas de Balagueró y Plaza, aunque lo cierto es que su valor es más como impulso del cine de terror nacional que como obra audiovisual, aunque yo personalmente he de confesar que soy un fan acérrimo de la saga, llegando al nivel de fanático.

Pero como decíamos, más allá de la propia obra, Rec ha acercado al gran público a la producción patria de terror, una producción que sigue siendo igual de numerosa y con la misma calidad media que antes, pero ahora con más aceptación por parte de los espectadores, que ya no se echan atrás ante una película de terror simplemente porque sea española, una realidad que afortunadamente queda cada vez más atrás. Pero hoy no vamos a hablar de cine de terror, ya que si estamos aquí es para hablar de cómic, de cómic de horror que asuste con monstruos, sangre y gritos agónicos. Y Rec ha pasado precisamente a convertirse en eso, en un cómic, Rec: Historias inéditas. Este movimiento editorial no es nuevo, ya que el trasvase entre cine y cómic es bastante corriente, sobre todo en su sentido de universo expandido, como podemos ver en ejemplos como los mangas editados sobre las películas Dark Water o The Ring, o los cómics que ahondan en el mundo propio de 28 días después, obras a las que espero que más adelante podamos dedicar espacio en esta columna.

Aunque claro, después de ver Rec 3: Genesis, uno tiene dudas de ver que tono iba a reinar en la adaptación gráfica de la saga, ya que mientras las dos primeras partes son un un ejemplo del buen hacer del found footage, películas realizadas con supuesto material encontrado, la tercera entrega abandonaba sin complejos lo anterior para crear una divertida aventura splatter. Por suerte, creo que se optó por la mejor solución, realizar una pequeña antología con diversas historias dentro del universo de la película. Personalmente, creo que no ha sido un acierto que todas las historias recopiladas en Rec: Historias inéditas sean ideas originales de los propios Balagueró y Plaza adaptadas por Hernán Migoya, ya que hubiera sido más interesante ver como diversos guionistas se enfrentaban a un universo ajeno, algo que suele dar frutos tan inesperados como sorprendentes.

Puede que precisamente este sea el mayor problema de Rec: Historias inéditas, ya que Hernán Migoya no es capaz de dar una personalidad propia a cada historia, dando la sensación de que todas son intentos forzados de contar algo diferente. Quizás la que mejor se adapte a los guiones de Migoya, o en la que el autor se sienta más cómodo, sea la primera historia, Encerrados, una historia que podríamos definir como de adolescentes adultos, donde aparece la violencia y el sexo más explícito pero con una profundidad muy superficial, sin una reflexión, ni irónica ni seria, que la sustente. El resto de la antología es igual pero aún más forzada, ya que cuando nos encontramos con historias que pretenden ser más serias, épicas o sarcásticas, no se deja de percibir ese halo reduccionista que entiende el horror adulto como sangre con palabrotas.

Existen varios aciertos, como la transformación de la Niña Medeiros en una especie de Host a lo Tío Creepy o la introducción de cada historia con una página de periódico, pero que por sí no sustenta el grueso de la obra. Y es una lástima, porque la mayoría de los lectores disfrutarán de ideas potentes con un trabajo gráfico correcto y notable que termina quedando en agua de borraja por culpa de unos guiones demasiado facilones y con una variedad simplemente aparente. Por fortuna, no falta una buena galería de ilustraciones donde diversos autores si plasman su visión personal sobre la saga Rec, una recopilación que por si misma ya merece que le echemos un buen vistazo a Rec: Historias inéditas.

La crítica del dibujante: Liga de la Justicia Internacional

LIGA DE LA JUSTICIA INTERNACIONAL #1

ECC/DC
8,95 euros
96 págs.

Booster Gold. Batman. Guy Gardner. Tres personajes que, de primeras, cualquier lector no encerraría en la misma habitación (gracias por el aviso, Giffen y DeMatteis) . Una mezcla que se supone explosiva ha ido perdiendo potencial con los años. Los tiempos cambian, y los héroes también. No iba a ser menos para las agrupaciones.

La nueva Liga de la Justicia Internacional mantiene a personajes de siempre y cambia algunos miembros (especial atención a la rescatadísima Godiva y al denostado August General in Iron) y los coloca bajo el precario mando de Booster Gold, un personaje que parece haber ganado seriedad con la última crisis cósmico-editorial, y la atenta mirada de Batman. El mayor exponente de poder lo tenemos en el linterna verde Guy Gardner que, al no aceptar de buen grado el liderazgo del héroe dorado, entra y sale cuando le viene en gana.

Dan Jurgens (Superman, Booster Gold) se encarga de dar un nuevo origen, propósito y alineación a esta LJI. Personajes en su mayoría alejados de las grandes ligas que, poco a poco, aprenden a trabajar en equipo. A tomarse en serio. Una amenaza de proporciones cósmicas con nombre y apariencia cercanas a cierto engullidor de planetas (ay) les ayudará a ello. No es un punto de vista original pero, ¿qué demonios? si algo funciona no tienes porqué arreglarlo.

En general, la serie pierde en su atmósfera (aunque no en la totalidad de sus diálogos) el toque gamberro que la caracterizó en sus inicios, cambiando el registro por un humor más llevadero. El caos de las primeras LJI se transforma en un puzzle: puede parecer desordenado, pero tras colocar unas cuantas piezas, se adivina el resultado. Este grupo está destinado a lograr cosas grandes.

Pasemos al arte interior, al dibujo: por un lado tenemos a Aaron Lopresti (Ms. Marvel, Justice League: Generation Lost) a los lápices y por otro a Matt Ryan (Ultimate Fantastic Four, Wonder Woman) como entintador, ambos autores más que experimentados y cuya colección de colaboraciones, fill-ins y proyectos se hacen muy largas de enumerar. El resultado, teniendo en cuenta la solera del equipo creativo al completo, es muy adecuado: un trazo que de primeras no es destacable, pero contiene una buena narrativa, sin excesos ni sobrecargas, y entretenidas escenas de acción con un buen número de superhéroes por viñeta. Como se viene haciendo desde los ochenta, ni más ni menos. Incluso superhéroes como Vixen, Plastic Man, Guy Gardner, August General in Iron, Hielo y Fuego tienen aspectos bastante cercanos a sus contrapartidas pre-Flashpoint.

En resumen, tenemos ante nosotros un título que promete entretenimiento clásico. A ver hacia dónde nos lleva.

EL CINEXIN: #Batman vs #TheDarkKnight

(Os presentamos una nueva sección en LaRAÑA, donde el escritor AC Ojeda comparará el 9º Arte con otras disciplinas pero, principalmente, con el cine. Y en esta ocasión, ¿quien mejor para la inauguración que el hombre murciélago?)

Sin duda estamos ante la saga más rentable de todas las que se han adaptado a la pequeña y gran pantalla.  Muchas caras y estilos diferentes ha tenido el personaje que creara Bob Kane en 1939, algunos con mayor acierto que otros, pero sin perder el espíritu del cómic. 

Una de las primeras imágenes tal vez sea la de Adam West enfundado en el traje del héroe de Gotham en la popular serie de la ABC. Imposible borrar de la memoria colectiva aquellos trajes que lucían, muy al estilo de la época. El montaje era un acercamiento al mundo de los tebeos de manera evidente. Onomatopeyas en escena, encuadres en viñetas, todo se recreaba de tal manera que uno parecía estar viendo unas viñetas que cobraban vida.

En el universo de las series ha habido más intentos de recrear las aventuras del millonario Bruce Wayne. Cabe destacar que todos, a excepción de la citada anteriormente, han sido a través de la animación. Dejando a los actores de carne y hueso para sus adaptaciones en el cine.

Entrando en materia y fijándonos exclusivamente en el cine, hay varias sagas que merecen ser recordadas. En primer lugar la dirigida por Tim Burton que tuvo como protagonista a Michael Keaton y en la que aparecía un enorme Jack Nickolson haciendo de Joker. Además se hizo una secuela llamada Batman Returns, en la que tenía como villano al Pingüino, maravillosamente encarnado por Danny De Vitto. Sin duda unas películas de las que no deben faltar en la estantería de todo fan del murciélago. 

Al calor del éxito de esta saga, Joel Schumacher se apuntó al carro. Dirigiendo la que, por méritos propios, está considerada la peor adaptación del personaje. En primer lugar contó con Val Kilmer para el papel protagonista en Batman Forever. En un intento de mejorar el sabor de boca que había dejado con la primera entrega, decidió aventurarse con una segunda. Esta vez estaría protagonizada por George Clooney en el papel de Batman y Chris O'Donnell en el papel de Robin. La película, no sólo no supera lo anterior, hunde aún más la imagen de esta entrega que por suerte no tuvo continuación. Se podrían decir muchas cosas más acerca de dicha cinta, pero no creo que sea necesario más que su simple visionado para llegar a la conclusión de que jamás debería haberse rodado.

Después del mal cuerpo generalizado, la gente se encontraba reacia a una nueva entrega del enmascarado. Aún así, Christopher Nolan asumió el reto. Para esta nueva aventura contó con un elenco de actores de una calidad incuestionable. Christian Bale sería el elegido para portar el traje de Batman acompañado por Michael Caine en el papel de Alfred. 'Batman Begins' fue una declaración de intenciones. Una ciudad, Gotham, protagonista bajo la mirada atenta de su héroe particular. Quizás, tras las opiniones escuchadas y leídas, esta se pueda considerar la más floja de la trilogía. En segundo lugar llegó 'El Caballero Oscuro'. Un film sin parangón dentro del mundo de las adaptaciones del cómic a la gran pantalla. Es, sin lugar a dudas, la mejor de la trilogía. Todos pensaban que sería imposible superar el papel interpretado por Jack Nickolson del villano Joker, pero Heath Ledger cumple de sobra las expectativas. Aún sigue en el cine la Leyenda Renace, el brillante cierre de esta trilogía. Sin querer adelantar nadie a quién aún no la haya visto, sólo puedo decir que deben ir a verla sin demora alguna. 

Obviando a la de Schumacher, no podría quedarme con una de las sagas en concreto. Todas tienen algo que las hace especial y las diferencia de las otras. La magia con la que Tim Burton nos adentra en su mundo. El toque realista y oscuro con el que nos sorprende Nolan. Son ingredientes que hacen que se conviertan en un plano de buen gusto.

Por todos los ingredientes que aportan las diversas adaptaciones, la nota final de dicho trabajo es un NOTABLE ALTO.

No eres tú, soy yo: #46

Los Comics del Sensei: Especial #Spiderman y los #Vengadores

Volvemos con nuestra sección favorita de crítica y recomendaciones comiqueras. Tras ir a Sensei Comics cuán no será mi sorpresa al ver que, si bien Panini no trae a tiempo novedades como Uncanny X-Force (un mes de retraso) o Astonishing X-Men: Regenesis (dos meses tarde!!), lo cierto es que el estreno de The Amazing Spiderman y la estela del éxito de Los Vengadores, han hecho que Panini se centre más en estos productos durante el verano, por lo que esta quincena he podido pillar dos títulos algo dispares. 

El primero es Spiderman Vengador (Avenging Spider-Man #1-2 USA), escrito por Zebb Wells y dibujado por el añorado para muchos, Joe Madureira. Explotan la figura del trepamuros en una colección que retoma el mítico título Marvel Team-Up donde a Spidey se le hacía formar equipo en cada uno o dos números con un personaje diferente. Ahora Parker es miembro de dos equipos Vengadores, más la Fundación Futuro y sus varias cabeceras... Un personaje todo terreno que en este primer tomo que Panini enmarca en “El Asombroso Spiderman” como #70, hace equipo con Red Hulk para enfrentarse a una raza subterránea que ha vencido al Hombre Topo, el enemigo de los Cuatro Fantásticos, y han secuestrado al nuevo alcalde de Nueva York: J. Jonah Jameson. Wells tiene una gran experiencia en las colecciones del trepamuros, conoce el entorno, el personaje, su manera de hablar y de comportarse, siendo perfecto para el producto aunque no una maravilla. ¿Y Madureira? Creador del amerimanga y conocido por llevar la etapa de la Patrulla-X durante la saga Operación: Toleranzia Zero (sí, la de Bastión) además de ser creador del comic Battle Chasers, Mad! vuelve a Marvel (obviando la prescindible The Ultimates 3) para mostrarnos un Spidey dinámico, sin tintas, con el color sobre el lápiz y con una anatomía no tan exagerada como en otros tiempos. Un cómic sin pretensiones pero que se lee con facilidad. Puro entretenimiento.

El siguiente título es el cuarto ejemplar de la colección Ultimate Marvel, ésta que reúne en una sola colección las tres cabeceras USA de la linea Ultimate Comics: The Ultimates v4, All-New Spider-Man y X-Men. Si el nivel gráfico de sendas historias era alto (no repetiremos aquí los autores), los tes argumentos dejaban que desear, no por calidad, sino por pausa en la narración. Este volumen, sin embargo, soluciona tal problema. Los hijos del mañana dan ultimatum, Miles conoce a Spiderwoman y los desbandados X-Men se enfrentan a Striker... con una sorpresa final. Una colección que sigue la filosofía de llegar a los nuevos lectores y, cada vez, con un universo paralelo más separado del original.

Spain is pain #64: El noble arte de dar por culo.

El número 117 del TMEO marca el 25 aniversario de la que posiblemente sea la revista más irreverente del panorama nacional. TMEO es una publicación que nace en 1987 alejada de lo que fue el underground nacional e inmersa en lo que denominamos como post-underground, desmarcándose de esas corrientes de revitalización  del underground nacional para crearse un camino propio que siguen labrándose tras un cuarto de siglo y que los permite sobrevivir con una personalidad única dentro del panorama nacional.

El número con el que se celebra los 25 años es un resumen perfecto de lo que es, ha sido y será, esperemos que como mínimo otros 25 años, una revista que tiene unas pautas muy claras de lo que debe ser una publicación molesta con tanto con los poderes públicos como con la sociedad bien pensante. Podemos resumir esto en los siguientes puntos:

1.- Frente al tsunami de la corrección política y el respeto a los valores más conservadores, los autores del TMEO han hecho de lo políticamente incorrecto su bandera dejando de lado, o mejor dicho atacando a todo el mundo por igual.

2.- Hacer gala de un no-partidismo alejado de cualquier sigla política que les permite criticar a cualquier partido independientemente estén en el gobierno o en la oposición desde la más completa incorrección y tratando a los políticos como se merecen.

3.- Contar entre sus páginas desde autores que se han ido consagrando como Mauro Entrialgo, algunos que marcaron época y lo dejaron como Álvarez Rabo, y otros que en la actualidad hacen de esta revista algo inconfundible que te deja con buen sabor de boca, por decir algo, como: Ata, Furillo o Piñata, entre otros. Estos son la verdadera esencia de la revista que a pesar de la constante renovación de autores ha ido conservando el espíritu de la misma.

4.- Porque si no existiese el TMEO tendría que inventarse, porque son ellos los que animan el cotarro del panorama editorial nacional de una manera inconfundible sin haberse adocenado como otras publicaciones, por ejemplo, El Jueves, que ha pasado de la sátira política ha ser una revista de humor más, perdiendo los valores que la hicieron lo que es a día de hoy.

5.- y por último, por publicar portadas que son en su mayoría dignas de ser secuestradas, lo digo como halago, por la mala leche contenida en ellas.

TMEO ha llegado hasta nuestros días en gran parte por su popularidad en el País Vasco y en menor medida por la distribución en librerías especializadas en el resto del Estado. Esta ha sobrevivido a la llegada de internet y a las publicaciones gratuitas con una forma de entender el cómic muy clara y que por lo que parece duradera, así que:   ¡ Larga vida al temeismo y  los temeistas! 

                                                                                                                                          @Mr_Miquelpg

Guapísimas #43

El sótano del primo Barto: Respeto por los muertos

Ya hemos hablado más de una vez de la propia definición del horror, basándonos en la obra de Noël Carroll, defendiendo siempre que el horror va más allá de la mera preocupación por sufrir algún tipo de peligro físico. El horror necesita algo más, necesita un toque de angustia vital, una apelación a lo más profundo y sagrado para romperlo o pervertirlo. Este hecho se puede resumir en cualquier relato de Lovecraft, en los que sus protagonistas temen por sufrir una muerte violenta, pero también existe una rotura de lo normal, de los límite de nuestra propia existencia, que es igual o más peligroso, ya que igual que se puede perder la vida, se puede perder la cordura.

Así que podríamos decir que en parte hay que estar cuerdo para poder sufrir los estragos del horror, ya que mientras arriba siga siendo arriba y abajo siga siendo abajo existirá la posibilidad de pervertir esas coordenadas. Por ejemplo, el temor al vampiro y al zombie no se basan en que puedan matarnos como asesinos vulgares, sino en que han roto la constante de la vida, han muerto pero siguen en movimiento. Además, se recurre a tabúes sociales para aumentar el horror, el vampiro se alimenta de sangre, la base de la vida, y el zombie se pudre poco a poco, recordando la fragilidad del cuerpo humano. Creo que se podría llegar a defender que el horror tiene una parte de sacralidad perversa, todos nos convertimos un poco en piadosos ofendidos y alterados por la rotura de lo normal.

Aunque claro, esto no impide que existe un horror bañado de humor o ironía. Hace poco tratábamos aquí el cómic Cinderalla, una vuelta de tuerca en la que el horror se vuelve cotidiano. La mayoría de estos ejercicios responden o a una liberación del horror a través del humor, una especie de defensa en la que nos reímos de lo que nos asusta. Sin embargo, también existe la posibilidad de vaciar de todo peso al horror y sus características, mantener todos los elementos pero vaciarlos del más mínimo significado. Encontramos un perfecto ejemplo de esto en Kurosagi, obra del guionista Eiji Ôtsuka y el dibujante Housui Yamakazi, una obra en la que están presentes todos los elementos del horror clásico pero vacíos de esa carga más metafísica.

La historia de Kurosagi puede considerarse en principio original: grupo de estudiantes con habilidades relacionadas con los muertos crean una empresa encargada de cumplir las últimas voluntades de cadáveres recientes. La obra gira en torno a Kurô Karatsu, un joven médium capaz de oír a los muertos al tocarlos. Este punto de origen da para muchísimas posibilidades, desde una obra de horror estándar hasta una comedia de humor negro, o incluso una historia más costumbrista. Pero en lugar de optar por estos caminos, Eiji Ôtsuka opta por crear un cómic de aventuras sin más, muy en el estilo del mainstream más puro del manga japonés, con unos protagonistas mezcla de adolescentes y adultos que viven en un universo aparentemente maduro pero infantilizado al máximo. Esta carencia tan propia del manga se perdonaría si existieran otros elementos que le dieran mayor transcendencia a la obra, algo que está presente pero no de la forma que debería.

El horror existe en Kurosagi, pero de una forma totalmente fría y anodina. Los cadáveres podrían ser suplantados por plantas de geranios y la profundidad de la obra sería la misma. El terror escrito por Eiji Ôtsuka no crea lazos ni con el lector ni con los habitantes de la obra, que desfilan ante los mayores horrores sin inmutarse lo más mínimo, con un comportamiento y una implicación emocional deficiente o inexistente. Kurosagi es una obra fallida porque queriendo buscar una pose más atrevida de sus personajes ante la muerte, termina creando un universo en el que la muerte importa e implica muy poco, algo que termina llegando a sus lectores, a los que la galería de horrores presentes no les afecta más allá del puro desagrado físico.

#POWERPAINS vol.2 2x02

R.I.P. Joe Kubert

Muere el mítico y legendario historietista Joe Kubert.

Descanse en paz

No eres tú, soy yo: #45

Spain is pain #63: La muerte en lata.

El cómic esta viviendo un buen momento, si nos remitimos al panorama nacional: ha habido un florecimiento de pequeñas editoriales, consolidación de aquellas que llevan un tiempo, surgen nuevos fanzines y se “profesionalizan” aquellos que llevan un tiempo, el cómic de autor se ha consolidado de manera definitiva, a eso hay que sumarle un cómic de género patrio que poco a poco va despertando de su letargo. Dentro de esa forma de entender la narración de historias nos encontramos con Ocupante (Panini, 2012) de Andreu Martín y Jacobo Navarro ganador del 1er Premio Internacional de Cómic Costa Brava.

No es una gran sorpresa que Panini, o mejor dicho el jurado, premiase a una obra de género teniendo en cuenta su política editorial centrada básicamente en el cómic de superhéroes Marvel y universos expandidos de videojuegos. Ocupante es una obra corta pero intensa en tan solo 52 páginas se nos muestra la muerte y resurrecciones de Lázaro y de unos perseguidores que intentan evitar que el numero de muertos aumente.

Quizás la brevedad del relato favorezca una lectura relajada muy adecuada para las fechas en la que nos encontramos, sin embargo, se hecha en falta el profundizar en los personajes y sus motivaciones, en crear una mitología sobre el universo creado por y quizás recrearse más en la historia de la microsociedad rural en la que empieza la historia, en la que se sitúan dos personajes con motivaciones totalmente opuestas pero que utilizaran la muerte como medio para conseguir su propio fin, se trata de el cura del pueblo y la abuelaza. En resumen, se trata de un buen cómic con un gran potencial que se ve lastrado por la brevedad del mismo pero que se resuelve con solvencia gracias a un dibujo más que efectivo y un guion resuelto que apunta a cotas más altas.

Cuando nos referimos a narrativas de género es fundamental que los universos se desarrollen hasta el punto de ser creíbles e inteligibles y que funcionen con coherencia. En ese punto Ocupante brilla apoyándose en un universo de lo habitual y lo contemporáneo para crear un extraño cuento de zombies metafóricos, o no  tanto, que a diferencia de lo que nos tienen acostumbrados estos se “alimentan” de cuerpos muertos, o dicho de otra manera necesitan de ellos para seguir vivos.

Esta historia recuerda, en ciertos, aspectos a aquellas escritas por Chicho Ibáñez Serrador para su Historias para no dormir en las cuales en muy poco espacio de tiempo se recreaban en espacios y situaciones las cuales estaban presididas por un ambiente que plasmaba un universo único en cada capítulo. Dentro de esa tradición se encuentra Ocupante una pequeña historia donde los horrores cotidianos se plasman en el miedo de un personaje que trata de sobrevivir a la muerte de cualquier manera. Un relato digno de ser leído para pasar un buen rato.

                                                                                                                                          @Mr_Miquelpg

Guapísimas #42.

El sótano del primo Barto: Viñetas dormidas dentro de viñetas

Hace unas pocas entregas hablábamos sobre la dificultad de desarrollar un horror basado en las sutilezas, más centrado en las insinuaciones y la desazón que en la percepción más real del peligro y el terror. Como vimos, El horror de Collier County era una obra quizás demasiado ambiciosa al mostrar una cantidad muy reducida de elementos, quizás por un exceso de confianza de Rich Tommaso en sus lectores, auténticos encargados de rellenar dichos huecos. Sin embargo, la obra a la que nos dirigimos hoy opta por el camino contrario, una amalgama de elementos yuxtapuestos y cambiantes de los que el lector debe sacar una lectura propia, ya sea mediante la ordenación, el descarte o cualquier otro sistema para dar orden a un aparente océano anárquico de elementos.

La obra a la que estamos haciendo referencia es Pereza, una novela gráfica de Gilbert Hernández, al que yo siempre había conocido como Beto Hernández, que junto a su hermano Jamie Hernández forman la pareja de hermanos más conocidos en el mundo del cómic indie y urderground de finales del siglo pasado, con obras como Palomar, de Beto, o Locas, de Jaime. La obra de los hermanos Hernández es una mezcla entre el underground en su vertiente punk con elementos desde el realismo clásico de García Márquez hasta la ciencia ficción de los años cincuenta del siglo pasado. Toda esta amalgama de referencias, además ha servido para dar una visión sobre el Estados Unidos de frontera, principalmente con las vivencias de los inmigrantes mexicanos.

Aunque Pereza va un paso más allá en la obra de Gilbert Hernández, ya que abandona la vida de los inmigrantes atrapados entre dos mundos para centrarse en las vidas de sus hijos adolescentes, norteamericanos de segunda o tercera generación que a pesar de apellidarse García son difícilmente separables del resto de jóvenes, habiéndose diluido su esencia mexicana o hispana. En cierta medida, Pereza trata de esto, de esto y de muchas cosas más. El protagonista aparente de Pereza es Miguel Serra, un joven que aparentemente debido al tedio vital se autoinduce un coma para despertar un año después de la misma manera, sin que esto responda aparentemente a nada más que la voluntad del chico. La historia cuenta con dos soportes más, Lita, la novia de Miguel, y Romeo, amigo de ambos, formando los tres la banda de música Pereza.

Inicialmente, Pereza puede parecer una historia más de la américa suburbana, con las típicas tramas de adolescentes dominados por la desidia y sin la menor ilusión por vivir, los cuales se agarran a fantasías imposibles para tratar de avanzar un día más. Eso lo vemos en el caso de Lita, obsesionada con las leyendas urbanas, especialmente las mexicanas como La llorona o el limonar maldito de su pueblo, donde habita un hombre-cabra capaz de intercambiar su alma con quienes se paseen por sus dominios de noche; o con Romeo, que sueña con convertirse en una famosa estrella de rock a cualquier precio.

Y en medio de todo tenemos a Miguel, que tras despertar del coma se ha vuelto lento, incapaz de seguir el ritmo del resto de la gente. La vida de los tres amigos cambiará después de ahondar en el limonar maldito y en la leyenda del hombre-cabra, lo que hará aflorar las tensiones entre los tres amigos. Aunque claro, esto es solo el principio de la obra de Gilbert Hernández, ya que a mitad de la misma asistimos a un cambio brusco que nos obliga a volver atrás algunas páginas y replantearnos muchas cosas, quedando en segundo término el tedio adolescente y tomando el protagonismo el terror a través de la propia identidad de cada uno. Pero ya esto es labor de cada uno, que tras leer el cómic decida.

#POWERPAINS vol.2 2x01

x Iván Sarnago

 NUEVO RUMBO...

Bienvenidos al volúmen 2. ¿Qué significa esto? Que a partir de ahora, #PowerPains tendrá otro enfoque, sin perder en absoluto los superhéroes de Marvel y DC y su actualidad como subtrama.

Hacía tiempo que me planteaba si podría #PowerPains adquirir algo más de identidad, no limitarse a la parodia sencilla (nunca es sencillo parodiar) de los temas superheróicos de actualidad... Hasta que repasé mentalmente aquella divertida serie de "Mi Secret Identity", y me planteé todo desde un punto más cotidiano, más del hombre de la calle... ¿Puede hacerse? De momento, no me planteo nada, más que seguir de cerca la vida de este nuevo personaje, al que hoy no he puesto nombre todavía, y ver si consigue, y cómo, sus superpoderes. ¿Formará parte de la Liga de la Justicia o los Vengadores algún día? ¿Será el verdadero protagonista de la tira? Lo veremos en esta nueva etapa.

Pero no nos olvidaremos de los superhéroes, de Superman enganchado al facebook, de ese eterno crossover entre Bruce y Peter que aún no se ha resuelto, de las superheroínas, de Spiderman, de Galactus... Las tiras superheróicas se irán alternando con este Slice of Life al estilo "Chica de Serie B" de un tipo que quiere ser superhéroe... en un mundo donde ya existen todos esos personajes.

Y la semana que viene:

La crítica del dibujante: La Cosa del Pantano

Si hace un par de semanas anunciaba el regreso de las páginas del webcómic 1900, hoy tengo que desmentirme. Tanto dibujante como guionista hacemos parón veraniego, y no precisamente para irnos de vacaciones, pues otros trabajos más recientes y urgentes nos tienen completamente absorbidos. 

Para no dejar vacío mi puesto en la parrilla os ofrezco una humilde reseña de mi nueva sección: La crítica del dibujante.

LA COSA DEL PANTANO #1 

ECC/DC
8,95 euros
96 págs.

Alec Holland es y no es la Cosa del Pantano. La muerte del primero provocó la existencia del segundo. Posee sus recuerdos, pero nunca compartieron un cuerpo. Permanecieron divididos, pero siempre fueron uno. Avatar de lo Verde, protector de la naturaleza, elemental, semidiós, portador de la vida ¿acaso un ser humano?

Esgrimiendo tal complejidad nació el personaje, en Julio de 1971, de la mano de Len Wein y Bernie Wrightson; y tras ellos, históricos ya del cómic como Alan Moore, Grant Morrison, Mark Millar, Brian K. Vaughan o Andy Diggle, se atrevieron a ampliar el universo de la bestia tanto humana como místicamente. La actual cúpula de DC Comics lo sabe, y ha mantenido intacto dicho legado: las Nuevas 52 han pasado por alto su mágico reboot en lo que a la Cosa del Pantano se refiere.

En este primer tomo nos topamos con un recién resucitado Alec Holland, cuyos recuerdos bailan entre su anterior vida humana y su no-existencia como el campeón de lo Verde. Varios personajes importantes requieren su ayuda: nuevas plagas azotan al mundo, y es necesario su conocimiento como botánico y como elemental. Un antiguo amor hará presencia, y se revelará un nuevo enemigo tan viejo como el mundo. Pero Alec Holland no quiere saber nada de esto. Él nunca fue la Cosa del Pantano, nunca vivió en la piel de un monstruo.

El punto de partida de esta colección corre a cargo de Scott Snyder, el guionista que, número a número y como ya sabréis, le está devolviendo la fama y los primeros puestos de venta al hombre murciélago. Como buen filólogo acostumbrado a la investigación y el análisis, su labor se refleja en sus guiones: no existe referencia sin base, ni diálogo sin sentido. Aún es pronto para juzgar su repercusión en ambas colecciones, pero el resultado actual es idéntico: Batman y La Cosa del Pantano son de lo mejor que tiene por ahora DC.

Vayamos ahora a lo relacionado con el título de esta sección: el dibujo. Yanick Paquette, Víctor Ibáñez  y Marco Rudy ponen arte a los cuatro números de los que se compone este tomo. En conjunto consiguen darle la apariencia de cómic de horror que necesita una franquicia como la que nos ocupa, el arte susurra "vértigo" por todos lados: barroquismo, fuertes manchas de negro, sangre y expresiones exageradas rompen por doquier las típicas composiciones del cómic superheróico sin que sea difícil su lectura. En este cometido destaca especialmente durante los tres primeros números el canadiense Yanick Paquette, (al que quizás reconozcáis gráficamente por Seven Soldiers of Victory: Bulleteer o Batman: Incorporated), de trazo muy cercano al realismo pero con el toque justo de soltura en las tintas para no hacerse visualmente aburrido.  

El español Victor Ibánez echa un buen cable durante el tercer número (la mitad de las páginas, siendo justos) y, puesto que juega del mismo palo que Paquette, su inserción se hace cómoda a la vista, aunque sus tintas lo delaten en más de una ocasión. Una elección más que acertada.

En el último número que contiene este tomo nos topamos con el brasileño Marco Rudy, artista ascendente en DC y actual dibujante de la serie junto a Paquette, quien comparte el barroquismo de este último, pero en otros niveles es muy diferente: narrativa, perspectivas, detalles en el dibujo (en algunas viñetas, he creído ver a Dwayne Turner, palabra). Dos estilos que conjuntan, pero a la vez separados. Un toque de variedad para el tomo sin salirse del estilo básico de la serie que, como mencionaba antes, le viene como anillo al dedo.

No eres tú, soy yo: #44

9News (05-8-2012)

Bienvenidos otro domingo más "9News", el noticiario de "LaRaña". Si esto fuera un informativo, ahora se escucharía nuestra sintonía; si estuviéramos, tendríamos una cabecera por sección... y si apareciera en un periódico al uso, lo primero que leeríamos serían los titulares... Aquí mandan las imágenes, tras ella, comenzamos. Y a por los breves.

¡Extra!, ¡Extra!

1) Hay nueva película para los Masters del Universo en proyecto, que dirigirá Jon M. Chu ("G.I.Joe. La Venganza", con guiones de Alex Litvak y Mike Finch. Dolph Lundgren, el He-Man original, está interesado en participar y todo apunta a que será el Rey Randor, el padre de Adam.
2) Y de He-Man y los Amos del Universo, a las Tortugas Ninja, que también están de actualidad. Además de nueva serie de dibujos y cómic, Michael Bay prepara película con actores reales y Jessica Biel suena fuerte para el papel de April O'Neil... y a ella le encantaría.
3) Los Premios Injuve para la Creación Joven ya han sido fallados. Los ganadores de cada categoría se han hecho públicos, destacando aquí los de Cómic: Jon Juarez Gaztelu y Elías Oliver Taño.
4) Chistopher Eccleston, el noveno Doctor Who, será Malekith el Maldito, el villano de "Thor: The Dark World", la segunda película del dios del trueno marvelita que dirigirá Alan Taylor, con un guión de Robert Rodat.
5) "El regreso del Caballero Oscuro", de Frank Miller, será ahora una película de animación de la que ya se ha visto el primer trailer, en el que se aprecia la atmósfera de este emocionante filme.
6) Marvel continúa con su promoción en forma de teaser de sus próximas series dentro de "Marvel Now!" y lo está haciendo mediante palabras que definen a sus héroes, como "Soldier", "Family", "Legacy", "Extended", "Indestructible"..., junto a sus equipos creativos.
7) Batwing formará parte de la JLI y regresará a África en el "Mes Cero". El personaje ligado a Batman, como parte de "Batman Inc.", también ha tenido un papel en "La Noche de los Búhos". Judd Winick continúa escribiendo sus historias, dibujadas por Marcus To.
8) Un desaliñado Hugh Jackman es el protagonista de las nuevas imágenes relacionadas con "The Wolverine", la próxima película del mutante de las garras de adamantium en solitario. Aquí y aquí se pueden ver todas las fotos de los sets.
9)  Marvel y el Circo del Sol están preparando un "team-up" entre ambas compañías. De la unión ha salido "KÀ", un cómic escrito por J. L. Glass y con lápices de Wellington Alves, con Bill Rosemann como editor y con la participación de la directora artística del espectáculo en el que se basa, Mariè-Helene. Devolvemos la conexión.

Seguiremos informando.

Editorial #11

Hace un par de días empezamos con este, nuestro número mensual #11 y con él llegan más novedades que se suman a lo que ya os vamos ofreciendo: Nacho Tenorio nos regala otra sección quincenal que analizará cómics desde su particular visión de profesional en "La crítica del dibujante" cuyas primeras víctimas han sido Swamp Thing #1 y Liga de la Justicia Oscura #1; el novelista AC Ojeda aparecerá mañana con una sección que mezclará opiniones sobre cómic y otros medios, principalmente el cine; además otros profesionales del dibujo y la escritura se han declarado interesados en colaborar con nosotros. Y todo ello se desarrolla en un marco que augura grandes (enormes) cambios para LaRAÑA.

Pero nada ocurriría sin ti, lector, que nos sigues cada día... Gracias!

Spain is pain #62: El Supergrupo vuelve al ataque.

Creo que una de las noticias de la semana es la vuelta de El Supergrupo, el equipo de superhéroes creado por Francisco Pérez Navarro (Efepé) y dibujado por Jan a semejanza de los grupos de superhéroes norteamericanos y que acompañaron a Superlópez a lo largo de una pequeña saga.

Se trata de un relanzamiento que se ha intentado varias veces ya que Pérez Navarro conserva los derechos de los personajes desde el principio y ha intentado revitalizarlos por lo menos un par de veces, de hecho, regularmente han ido apareciendo noticias sobre la vuelta de este equipo. A día de hoy esta confirmada la noticia de que este grupo de superhéroes vuelve, si o si, por Navidad  en un álbum de 46 páginas de manos de EDT, y como antesala del evento que habrá en el próximo Saló del cómic de Barcelona en torno al superhéroe bigotudo. El encargado a los lápices será Nacho Fernández, del que ya hablamos la semana pasada a colación de Dragon Fall, el cual ya a filtrado algunas imágenes en su blog.

Podemos clasificar las aventuras de Superlopez con El Supergrupo como un clásico del cómic español. Sin embargo, las aventuras de carácter superheroico de nuestro Superman comprenden tres álbumes: “Las aventuras de Superlópez”, “El Supergrupo” y “¡Todos contra uno, uno contra todos!”. Todos guionizados por Pérez Navarro durante el periodo que va de 1979 a 1980. El primer título de esta trilogía no tiene nada que ver nada con los otros dos, al menos a nivel narrativo, pero si a nivel mitológico. Este primer álbum se compone de pequeñas historias en las que los diferentes adversarios de Superlópez son supervillanos al estilo Bruguera, es decir, cuya composición o estructura les confiere una debilidad que los derrotara de manera jocosa, y muchas veces de manera desastrosa o cuasi involuntaria por parte de Superlópez. Aquí nos encontramos con dos hechos mitológicos que buscan asimilar el mundo de Superman al de Superlópez, estos son la creación de la Villa de la Soledad como paralelo de la Fortaleza de la Soledad, o la aparición de Luisa Lanas (Loise Lane). Y que desaparecerían del resto de aventuras tras la marcha de Pérez Navarro como guionista. La fuerza de este álbum reside en las pequeñas narrativas, que poco tienen que ver entre ellas, en las que se parodian diferentes personajes del universo superheroico norteamericano tanto de DC como de Marvel.

La segunda y tercera parte de esta trilogía conceptual esta compuesta por: “El Supergrupo” y “¡Todos contra uno, uno contra todos!”, estos dos títulos si que tienen una continuidad. En estos se nos narra la formación de este equipo compuesto por: el Capitán Hispania (a medio camino entre el Capitán América y el Guerrero del Antifaz), la Chica Increíble (Miss Marvel y Marvel Girl), el Mago (Dr. Extraño), el Bruto (la Cosa), el Latas (Iron Man) y, como no, Superlópez. Sobra decirlo se trata de un grupo a imitación de La Liga de la Justicia o Los Vengadores, y aunque no formen parte del grupo también aparecen por ahí dos parodias de Thor y Spider-Man.

Ambos volúmenes comprenden la historia no solo de la formación del equipo de superhéroes, que básicamente consiste en pelearse para decidir quien es el jefe y que comprende gran parte del primer título, sino también los planes de un supervillano por deshacerse de estos superhéroes a través de la creación de unos clones que en primer lugar han de desacreditarlos ante la opinión publica para luego acabar con Superlópez y compañía. Algo que evidentemente no conseguirá, o si, porque de manera indirecta ese supervillano consigue que Superlópez abandone el grupo para vivir sus propias aventuras y que el supergrupo desaparezca del panorama editorial hasta nuestros días.

Al personaje creado por Jan le esperarían muchas más aventuras entre las que destaca “el Señor de los Chupetes”, en mi opinión la mejor historia del personaje ya que no debe tanto de las historias de superhéroes norteamericanas y crea alrededor del personaje una mitología propia.

Si he de ser sincero ni me gusta la vuelta de los grupos de música que se separan, ni las secuelas o precuelas de películas de más de 10 años. Creo que El Supergrupo debería haberse quedado donde estaba, ni más ni menos, como un pequeño monumento de lo que debería haber sido junto con El Sulfato Atómico el cómic español. Eso no quita que sea una gran noticia y que la labor de los autores y los editores sea encomiable y digna de ser leída. Yo lo hare aunque sea por los viejos tiempos, y escribiré sobre ella por los nuevos.

                                                                                                                                          @Mr_Miquelpg