Spain is pain #73: Diamond Flash, expansion y transmedia.

Dentro del universo audiovisual el cómic siempre ha sido la forma más utilizada tanto por su maleabilidad como por su forma de llegar a grandes públicos focalizados en series de televisión y películas de culto. De ahí conceptos como canon y universo expandido utilizados para crear narrativas que apelan al texto original pero siendo siempre textos de segundo nivel. En los últimos tiempos a esto se le ha llamado, aunque en muchas ocasiones de forma equivocada, transmedia.

El transmedia no solo consiste en hacer un videojuego de una película o una película de un cómic, sino en la creación de un texto a partir de textos originados en diferentes formatos a partir de los cuales se obtiene un texto total. Es decir, nada de productos derivados en el sentido de que a partir de estos generan una lectura cero o que sea una mera rescritura adaptada al nuevo medio.

En este sentido podemos considerar Diamond Flash, Historias Caleidoscópicas (Cameo Media, 2012) obra creada por diferentes autores del panorama nacional entre los que se encuentran: Paco Álcazar, Manuel Bartual, Santiago García, Javier Olivares, Mireia, Pérez, David Rubín y Puño entre otros, como un texto transmedia. Para el que no lo sepa se trata de un título que aparece en la edición en DVD de la opera prima de Carlos Vermut DiamondFlash (Psicosoda Films, 2011). Esta pasa por ser la película de superhéroes más extraña e hipnótica jamás filmada, en la que el superhéroe en cuestión es el que hilvana las historias en torno a un secuestro de una niña, una mujer maltratada, y lo que parece ser un culto de magia negra.

Diamond Flash aparece tan solo de manera tangencial a lo largo de las dos horas que dura la película, esto hace de esta película tan especial, centrándose en lo íntimo tanto de las victimas como de los malhechores. Sobre todo, tal y como nos tienen acostumbrados los cineastas a adoptar las dinámicas del cómic de superhéroes haciendo que este ocupe toda la pantalla durante  toda la película. Dinámica de la que no escapan las adaptaciones nacionales, en las que los personajes que aparecen en los títulos de las mismas son los que ocupan el centro geométrico narrativo, ya sea Mortadelo y Filemon, Zipi y Zape o la desastrosa adaptación del Capitan Trueno.

El director de la película también hizo lo suyo con el tema de los universos expandidos con Plutón BRB Nero, La venganza de Mari Pili (Astiberri, 2009), como una expansión diegética de la serie de Alex de la Iglesia, cineasta relacionado en sus inicios con el mundo del noveno arte, Pluton BRBNero (TVE, 2008-2009). Vermut es también el autor de El Banyan Rojo (Dibbuks) y el creador de la serie de animación infantil Jelly Jamm, que tiene su alter ego en el film con otra serie de animación titulada Chorly Procket.

Diamond Flash, Historias Caleidoscópicas son en gran parte microhistorias que rellenan los huecos que deja la película, así como homenajes y algún crossover con el Titan de El vecino. Sin embargo, aquellos textos que me interesan son aquellos que hacen de la lectura de este cómic, que parece como un extra a esta edición, junto con el visionado de la película una experiencia transmedia.

Desconozco el proceso de creación del álbum y si el director de la cinta dio o no pautas a los autores de que tenían que tratar sus historietas, pero lo cierto es que el texto global que se generan con ambos títulos hace de esta una experiencia única e imprescindible. Ver la película a solas se me antoja imposible sin pensar en la prehistoria de la misma reflejada en estas historias caleidoscópicas, o la metaexperiencia que esta supone, ya que el álbum empieza con la misma historia de David Sánchez que esta leyendo una de las protagonistas de la cinta, y que podemos ver detalladamente en la película con un plano sostenido.

Quizás el único pero que se le puede poner a esta edición es que las microhistorias no estén en el orden cronológico de la película para poder hacer una lectura paralela al visionado de la misma. Por otro lado no me queda más que aplaudir esta iniciativa y recomendar el visionado/lectura de esta maravilla edición de Diamond Flash.

                                                                                                                                          @Mr_Miquelpg

No eres tú, soy yo: #55

9News (21-10-2012)

Bienvenidos otro domingo más "9News", el noticiario de "LaRaña". Si esto fuera un informativo, ahora se escucharía nuestra sintonía; si estuviéramos en la radio, tendríamos una cabecera por sección... y si apareciera en un periódico al uso, lo primero que leeríamos serían los titulares... Aquí mandan las imágenes, tras ella, comenzamos. Y a por los breves.

¡Extra!, ¡Extra!

1) "The Walking Dead", la serie, retornó a los televisores esta semana y el primer episodio de esta tercera temporada ha sido el capítulo más visto de la historia de la televisión por cable en Estados Unidos, cosechando una audiencia de 10,9 millones de espectadores.
2) Los amantes de las novelas de Stephen King están de enhorabuena. Los seguidores de Roland y su ka-tet, más aún. Esta semana se puso a la venta el octavo libro de "La Torre Oscura", que cronológicamente se ubica entre el cuarto y el quinto. Su título: "El viento por la cerradura".
3) El director del anunciado reboot de "Los Cuatro Fantásticos" cinematográficos, Josh Trank, ha anunciado que está buscando inspiración para la nueva película en la etapa clásica de los personajes de Stan Lee y Jack Kirby. Le echará una mano Mark Millar, nuevo consultor de las películas Marvel de la Fox.
4) En enero de 2013, IDW publicará una miniserie de cuatro números centrada en el Universo Star Trek de la película de J. J. Abrams. Robert Orci se encargará del guión, junto a Mike Johnson, con dibujos de David Messina. Se llamará "Star Trek countdown to darkness".
5) "A-Babies vs. X-Babies" es la versión infantilizada del enfrentamiento entre los Vengadores y la Patrulla-X. Skottie Young se encarga del guión y de la portada, con dibujos de Gurihiru en el interior. Interesante rareza que la que podéis ver una previa aquí.
6) La película del "Hombre Hormiga" ya tiene fecha oficial de estreno. Según ha confirmado Disney, será el 6 de noviembre de 2015. Dirige Edgar Wright, aunque todavía no se conoce qué personaje, de todos los Ant-Man de Marvel, será el protagonista.
7) Otro clásico juguete da el salto al cómic con nueva serie y las cifras de ventas se disparan. Se trata de "My Little Pony: Friendship is Magic", la nueva colección de "Mi Pequeño Pony" IDW. La autora del tebeo es Katie Cook, con ilustraciones de Andy Price.
8)  Brian Wood será el encargado de realizar una nueva serie de la franquicia de "Star Wars" en Dark Horse. El cómic, ambientado en la parte más clásica de la saga, se titulará "Star Wars" y tendrá portadas de Alex Ross y dibujos de Carlos D'Anda.
9) El juez de california que lleva el caso de Warner Bros contra los herederos de Siegel y Shuster sobre los derechos de Superman ha dado la razón a la compañía basándose en un acuerdo realizado en 1992 entre las partes por los que los herederos no podrían seguir haciendo reclamaciones futuras. La sentencia, de seguro, será recurrida. Devolvemos la conexión.

Seguiremos informando.

Spain is Pain #72: El desierto de la realidad.

Siempre es una buena noticia que autores consagrados como Max nos regalen una nueva obra. Sin embargo, siempre es difícil escribir de un autor como el que nos ocupa en estas líneas del que ya se ha dicho todo y que es con diferencia uno de los creadores de referencia de este país durante casi tres décadas.

En Vapor (La Cúpula 2012) Max aborda temas que ya ha ido tratando con anterioridad en su obra, como por ejemplo: las mitologías, el ser humano intelectual y el terrenal y sus necesidades, etc. En este último trabajo nos encontramos con un hombre,  más bien un esbozo conceptual de la humanidad, que es representado frente a una serie de problemas que acucian a lo mas esencial del ser humano. Nicodemo, el protagonista, sobrevive en un desierto, no sabemos como ha llegado ni porque, tampoco nos interesa mucho ya que el drama que se desarrolla en las páginas de Vapor tiene que ver con lo terrenal en un sentido desnudo carente de todo lo que tiene que ver con el envoltorio del constructo que a día de hoy conocemos como humanidad.

El protagonista esta en el escalón más bajo de las necesidades humanas por lo que su desapego por la banalidad esta completamente justificada. Esta justo en la base de la pirámide de Maslow, en la que el ser humano solo tiene que satisfacer aquellas necesidades que tienen que ver con la supervivencia del hombre: Respirar, comer, beber, sexo y descansar. Ese parece ser el teorema básico de esta obra, la esencia del ser como un animal inconsciente de que sus días tienen un principio y un final, porque Nicodemo parece carecer de un pasado al que poder agarrarse y vive de cara a un futuro del que parece no saber o no ser consciente de su prematuro final, tan solo vive da la consciencia de los días pasados en el desierto.

La providencia provee y a pesar de habitar en un desierto que se comporta como una comunidad invisible, en la que a pesar de no aparecer en escena más que unos cuantos personajes, parece que en él vive una multitud de seres que se personan ya sea por su presencia o su ausencia. Nicodemo solo vive de sus pensamientos y de observar el pequeño a la vez que inmenso mundo que le rodea.

Pero ¿que o quien es Vapor?, el ente del que nos habla Mosh y que solo aparece al final de la obra justo antes de la desaparición de Nicodemo. En su breve aparición tanto el protagonista, como Vapor como el propio autor de la obra como narrador omnisciente, tratan de desmontar el supuesto carácter esotérico new age que, como lectores podríamos crear en torno a dicho personaje. Entiendo a Vapor como la vida en si misma, las circunstancias y el contexto en el que se desarrollan y que variaran en función de nuestra voluntad de inmiscuirnos en las entrañas de nuestra propia vida. Nicodemo desaparece justo cuando es consciente como ser humano desnudo y que ha rechazado la banalidad, dejando de lado a la mismísima reina de Saba. Pero ¿no es el protagonista un ser egoísta? Este no proporciona nada a nadie, ningún tipo de ayuda, todos los personajes que aparecen en escena están para servirle, en lo más básico. Pero él ni provee ni ayuda, ni tan solo lo desea; todos sus pensamientos y deseos están focalizados en su persona y no cede ante las suplicas de nadie. Creo que Nicodemo es el mismo desierto encarnado de una forma áspera, y brutal, por su egoísmo y por como se arremolinan tanto sus pensamientos como los de los que le rodean en torno a él.

A parte de interpretaciones, que esta obra da para mucho, nos encontramos a un Max fiel a si mismo pero que en ningún momento cansa ni resulta redundante, capaz de mantener el interés a nivel visual y de historia, y con un tempo narrativo implacable. Pero se trata de una obra que necesita de varias lecturas e ir decapando poco a poco para poder captar la inmensidad de la misma. Vapor es un texto brillante, que recoge lo mejor del trabajo Max, un autor que a pesar del tiempo que lleva en primera línea sigue sorprendiendo y cautivando al lector, resultando atractivo para el aficionado a la narrativa gráfica como para aquel que se acerca de manera esporádica. Esto se debe en gran parte a un estilo que es a partes iguales asequible y complejo, pero que por encima de todo sigue siendo fresco a niveles que algunos autores noveles no son capaces de mantener más allá de su segunda obra. Es en definitiva una obra imprescindible, no hace falta que lo diga yo, es que simplemente es Max.

                                                                                                                                          @Mr_Miquelpg

Guapísimas #52.

El sótano del primo Barto: Diviérteme, hijo de puta

Aunque el concepto de ocio es relativamente reciente si tenemos en cuenta la historia de la humanidad, es innegable que actualmente no se ha convertido en una parcela vital totalmente aceptada, sino que es una de las mayores industrias mundiales, solo hay que juntar el capital que mueven por ejemplo el cine, los videojuegos o las retransmisiones deportivas, para comprender que el entretenimiento es el actual motor de la sociedad occidental actual. Sin embargo, lo que ya es otro cantar es la opinión social que despierte dicho ocio, aunque actividades como leer una novela, ir a una sala de cine o pasar la tarde en un estadio deportivo, están totalmente normalizadas, otras como echar una partida con la consola o disfrutar un cómic siguen estando en un plano más secundario.

Aquí poco importa el dinero que se mueva o el nivel de refinamiento artístico y comunicativo alcanzado: si enciendes la consola será para matar prostitutas y si lees un cómic es para ver fascistas con músculos y pechos hipertrofiados. Este es un poco el argumento que predomina en la sociedad bienpensante, algo que quizás no sería demasiado preocupante en una señora de setenta años pero que por desgracia no es ajeno a muchos jóvenes dentro de la veintena. Parece que el medio se vuelve más importante que el mensaje, y puedes leer cualquier libro en un tren sin problemas, porque automáticamente eres un lector de Dostoyevsky o Auster; pero si por contra estás leyendo un cómic nadie va a pensar en Spiegelman o Vivès. Pero ni siquiera este es el problema, el verdadero problema es que pensarán que lees un cómic de Superlópez, como si eso fuera algo despectivo, infantil o digno de lástima.

Esta situación debería ser respondida por el autor y el aficionado no con enfado, ni mucho menos buscando la redención ante la sociedad. En su lugar se debería optar por el ataque frontal, el corte de mangas y la lengua fuera. Precisamente, en un cómic de Johnny Ryan podemos encontrar una crítica de Daniel Clowes en la que alaba la obra de su colega por aglutinar perfectamente todas las característica perjudiciales que cualquier madre ignorante otorga a un cómic. Este movimiento autoral es primero una concesión al público, un codazo suave en el costado con un guiño de ojo; y después una declaración ante la sociedad en el fandom declara lo que le gusta, lo demanda y lo consume.

Y gracias a todo esto existen cosas como Apocalipsis en el instituto, una salvajada escrita por Daisuke Sato y dibujado por Shouji Sato. ¿Qué es Apocalipsis en el instituto? Ante todo una obra sin la más mínima pretensión. Aunque la podríamos englobar dentro de ese género japonés de héroes de instituto en un mundo de horror, como el ya reseñado aquí Hakaiju, lo cierto es que el manga de los dos Sato no deja de ser una enorme excusa para alimentar al fandom de golosinas y bebidas carbonatadas. Dentro del mundillo se utiliza el término fanservice para designar esas concesiones al público que algunos autores regalan de vez en cuando a su público. Normalmente el fanservice no suele pasar de una pose sugerente por parte de un personaje, pero en el caso de Apocalipsis en el instituto el fanservice se alimenta de toda la obra hasta el extremo de que nos sentamos a disfrutar de una enorme galería de zombies y chicas con los pechos grandes. Nada más, simplemente zombies y chicas con los pechos grandes. Zombies y pechos grandes.

Evidentemente los guiones de Daisuke Sato no son dignos de llamarse como tal más allá de hilvanar un otaku con una pistola de clavos y una chica misteriosa con una espada de madera, ambos masacrando muertos vivientes. El dibujo de Shouji Sato tampoco se queda por detrás, con una concepción de las proporciones más bien personal y una narrativa farragosa que enturbia la lectura de la página con el fin de conseguir un dinamismo hipertrofiado en todas las composiciones, lo pida o no el argumento en ese momento. Sin embargo, estos supuestos errores o deficiencias se podrían considerar casi una opción moral, más de la propia obra y su contexto que de sus autores, en la que absolutamente todo está puesto al servicio de la diversión, sacrificando la narrativa por el beneficio del impacto emocional, y dejando de la lado el verismo o la estética para conseguir que todas y cada una de las páginas sea un póster con zombies y pechos grandes. Muchos zombies, muchísimos, y pechos gigantescos, épicos.

#POWERPAINS v2x08 "Feliz cumpleaños, Spidey"

#powerpains no podía quedarse sin felicitar a SPIDER-MAN por su 50 aniversario en este 2012... y si os ha gustado la tira, también tenéis una versión Wallpaper en SERIEBCOMICS.COM:

LOS CÓMICS DEL SENSEI: Especial #AvengersVxXmen

VvX: LOS VENGADORES VS LA PATRULLA-X #1 
Panini Comics / Marvel Comics
3,90 euros
72 págs.

Sinopsis: 

¡Aquí da comienzo el evento Marvel más importante desde Civil War! Los más destacados guionistas y dibujantes del cómic estadounidense se unen en una epopeya que alterará el curso del Universo Marvel. La Fuerza Fénix se dirige hacia la Tierra, y su llegada podría significar el renacimiento de la raza mutante, pero también la condenación de todo el planeta. Cíclope está convencido de lo primero, mientras el Capitán América, Iron Man y el presidente temen lo segundo. Es entonces cuando Los Vengadores se dirigen hacia Utopía, la isla-estado donde habita La Patrulla-X... ¡Y comienza la mayor batalla que haya tenido lugar jamás, un combate que se extenderá por todo el globo! 

Ya está aquí. Tarde o temprano tenía que llegar. El macroevento de la década (al menos hasta que aparezca uno de mayor calado) golpea las estanterías españolas a base de grapa: Vengadores vs X-men. Espectáculo asegurado en esta primera entrega (que contiene, recordemos, los dos primeros números de la colección USA más el primer número del tie-in VvX: Versus) de manos de Bendis, Aaron, Brubaker, Hickman y Fraction, con un desgastado John Romita Jr. a cargo del arte. 

La premisa inicial, ya apuntada en el anterior número de la colección (VvX Round 0), nos retrae a la ya mítica frase susurrada por una desesperada Wanda Maximoff durante la saga Dinastía de M: no más mutantes. Tal suceso no podía quedar sin respuesta del universo mismo, y tras preparar a lectores y personajes durante las sagas Complejo de Mesías, Cisma y Sanción-X (todas ellas bajo el punto de vista de los principales afectados), la Fuerza Fénix no pudo esperar más para encontrar nuevo huésped y se dirige en estos momentos hacia Utopía, donde una sobreprotegida Hope tiene tanto a mutantes como a Vengadores más que preocupados: ¿está preparada para soportar la carga de la salvación o, por el contrario, sucumbirá ante la tentación de poder que conlleva portar a la flamígera y cósmica entidad? La sombra de Jean Grey (como todo marvelita sabe) es muy alargada, y en más de una ocasión durante la colección se recordará el gran error y desastre que supuso la existencia de Fénix Oscura. 

La tensión ante el inminente desastre es la culpable de que los Vengadores al completo se adelanten a la Fuerza Fénix y aterricen en la costa de Utopía con la intención de llevar a Hope a un lugar (según ellos) más seguro, dada la obvia implicación personal y aparentemente mesiánica del líder del pueblo mutante, Cíclope. El cruce de palabras entre él y el Capitán América tiene de todo menos amistoso, y termina con el predecible y necesario casus belli que da comienzo en estas mismas páginas a una de las más espectaculares (a la vez que absurda) batalla que el abajo firmante ha tenido oportunidad de leer: golpes por doquier, de frente o a traición, bolas rápidas, magnéticas y fuentes de poder imposibles, todo ello aderezado viñeta por viñeta con captions que en ocasiones rayan la parodia. 

Como he mencionado en el primer párrafo, John Romita Jr. ha tenido mejores momentos, pero cumple con la narrativa y la espectacularidad que un título como el que nos ocupa merece poseer, entrenada en sagas de similar índole como la pasada World War Hulk. Mención especial merece el arte de Adam Kubert y Stuart Immonen en el añadido VvX: Versus #1, donde se ven ampliados los choques "héroe contra héroe" de manera más elaborada y que, aún forzando ciertos desenlaces de batallas por el mero hecho de jugar con lo inesperado y gratuito, merecen un vistazo. 

En fin, el macroevento de la década. No busquen trama, no busquen introspección. Vayan preparando las palomitas. Es la hora de las tortas. 

No eres tú, soy yo: #54

Spain is pain #71: Happiness is a warm gun.

En un momento de la canción de The Beatles que da título a este post  dice: “I need a fix cause I'm going down”, que traducido sería algo así como “necesito una dosis que estoy de bajona (sic)”. Lo físico y lo material como elemento transicional que nos conduce a la felicidad o un simulacro de la misma.

En Los Caballos (Bang, 2012) de Miguel B. Nuñez se sigue el mismo principio que en la canción de los de Liverpool. Stanford, una suerte de trampero, del que se dice que ha sido criado por osos es contratado por un capataz para encontrar los caballos desaparecidos del jefe de este último. La búsqueda de los equinos obliga a estos dos personajes a emprender un viaje que inesperadamente se convierte en una búsqueda metafórica que va más allá de lo material, en el que los obstáculos que aparecen a lo largo del camino son pequeños elementos catárticos los cuales poseen una doble función: la de escalar a nivel narrativo la historia y la de mostrarnos el pasado y la introhistoria de este relato.

Los Caballos es el según título que este año nos regala Miguel B Nuñez, el anterior King Egg es una de las mejores obras publicadas en los últimos meses, y el título que nos ocupa hoy sigue en la misma línea pero diferenciándose en un aspecto básico, si en King Egg el leit moiv narrativo es la simplicidad en Los caballos una sencilla historia de búsqueda se convierte en una puesta en abismo en el que la historia principal encierra otras historias y éstas nos conducen a otras, y todo esto en tan solo 60 páginas. El capataz requiere los servicios de Stanford y estos son confundidos con un oso por un arponero que tiene su barco varado en tierra firme. Stanford sale en busca del ursido y  nos descubre la historia de este y de porque ataca al arponero. Y entre todas las historias entrelazadas y encajadas descubrimos el pasado de Stanford algo que ha lastrado su vida por completo.

A todo esto hay que sumarle el desarrollo visual de la historia y un uso de los colores que redunda de manera positiva en la narrativa  de este título siendo parte fundamental de éste. Pero no todo queda ahí, la estupenda edición por parte de Bang Ediciones hace que este cómic no solo sea excelente por dentro sino que también lo sea por fuera. Para mí Los Caballos de Miguel B. Núñez es uno de los imprescindibles del año. Y ya van dos de este autor.

                                                                                                                                          @Mr_Miquelpg

Guapísimas #51.

#POWERPAINS v2x07 "Músculos"

Ya comienza a rodar la historia... Ya tenemos los primeros efectos del "Suero de Pinillos"... Eso sí, en qué desemboquen... ya es otro cantar. Recordad que todos los miércoles hay #POWERPAINS, y comentad, compartid...

Iván Sarnago.

La crítica del dibujante: Assassin´s Creed #1

ASSASSIN'S CREED #1 - DESMOND 
Planeta DeAgostini
12,95 euros
48 págs.

Sinopsis:

¿Por qué Desmond Miles está preso en un laboratorio experimental de alta seguridad? ¿Qué buscan los misteriosos científicos que se ensañan con él? ¿Qué formidable secreto esconde su memoria genética, sepultada en el fondo de su ADN? ¿Por qué hurgar así en el pasado de los ancestros de Desmond, todos ellos miembros de la secta de los Asesinos? 

¿Acaso no saben que es peligroso despertar la memoria de un asesino? 

El principal atractivo de la franquicia de videojuegos Assassin's Creed, más allá de lo exuberante de sus gráficos, el aparente realismo de sus ciudades, y la efectista gama de acrobacias (extraídas de la disciplina parkour en su mayoría) y movimientos de bloqueo o ejecución, es lo enrevesado de su argumento. Ubisoft ha sabido crear a través de Desmond, Altair, Ezio y el resto de la memoria genética de los Asesinos una trama conspiratoria muy interesante, de origen milenario y consecuencias muy actuales. 

Esta adaptación al cómic, oficial pero no canónica, cubre en su primer tomo una pequeña parte del arco argumental de los dos primeros juegos de la saga, Assassin's Creed y Assassin's Creed 2, llenando un cierto vacío existente en el guión de dichos juegos, quizás por ser considerado tangencial, y creando a su vez un argumento propio para el desarrollo de la colección de la que forma parte*. 

El guión de Éric Corbeyran (El Canto de las Estrigias, XIII Mistery), de escenas pausadas y momentos de acción muy medidos y bien colocados, indaga en momentos clave de la franquicia recreativa, en concreto justo antes de la primera entrega y entre la misma y su secuela, añadiendo a ello ciertos elementos exclusivos a lo narrado en el cómic. Crea así una suerte de escenas eliminadas que arreglan bastante los vacíos citados en el párrafo anterior, además de presentar un nuevo personaje: el asesino Aquilus, antepasado de Altair, Desmond y el Sujeto 16, al cual finalmente le ponemos un rostro (terminando así con el más que convieniente halo de misterio del que hacía gala en la primera entrega de la saga). En general, todo un acierto éste, si tenemos en cuenta que hace uso de la continuidad establecida y además expande el universo de los Asesinos más allá de Ezio y Altair, cosa que en las novelas no ocurría. 

Si existe una pega, es la siguiente: al igual que ocurre con cualquier producto literario "extra" relacionado con un título mayor (sea cinematográfico o consolero, como es el caso que nos ocupa), su disfrute completo está condicionado al conocimiento que el lector posea de dicho título previamente a la adquisición de dicho material. Si en algo cojea el guión, es en el hecho de que es en su mayoría necesario el haber jugado al menos a dos de los cuatro videojuegos (en breve serán cinco) para entenderla completamente. De otro modo, y aunque en algunas páginas se nota el esfuerzo para que no ocurra lo contrario, el lector puede perderse entre tanta información sesgada.

En cuanto al arte interior, a cargo del dibujante, Djillali Defali (Uchronies) y el colorista Raphael Hedon (El Canto de las Estrigias), se ve bastante bien plasmada la atmósfera ya visitada en el videojuego, con ciertas viñetas prácticamente calcadas a algunas imágenes promocionales de la primera entrega. Aparte de eso, y obviando que la línea no tiene todo el atractivo que uno pudiera esperar (algunas viñetas en concreto se notan... descuidadas, frente a otras que, en el buen sentido, se comen la página), las páginas vienen cargadas de detalle y narración, con diseños de personajes perfectamente identificables y similares a sus contrapartidas tridimensionales, todo ello bañado de un color cercano a la del producto madre y que marca intencionadamente la división de épocas. 

Concluyendo, nos encontramos ante un producto más del (por ahora) contenido universo expandido de Assassin's Creed, que promete bastante en su argumento, aprueba en el apartado gráfico y deja la jugabilidad para sus hermanos mayores. 

*Colección que actualmente consta de tres tomos publicados en Francia (Desmond, Aquilus y Accipiter), además de un cuarto (Hawk) que verá la luz a mediados de Noviembre. Planeta DeAgostini ya anuncia la publicación del segundo tomo en su web. 

No eres tú, soy yo: #53

9News (7-10-2012)

Bienvenidos otro domingo más "9News", el noticiario de "LaRaña". Si esto fuera un informativo, ahora se escucharía nuestra sintonía; si estuviéramos en la radio, tendríamos una cabecera por sección... y si apareciera en un periódico al uso, lo primero que leeríamos serían los titulares... Aquí mandan las imágenes, tras ella, comenzamos. Y a por los breves.

¡Extra!, ¡Extra!

1) La serie que prepara "ABC" sobre "SHIELD" sigue avanzando y ya se conocen los principales personajes: una serie de agentes con determinadas habilidades. Tienen nombre, pero aún no se sabe qué actores los interpretarán. Joss Whedom dirigirá el piloto.
2) El historietista francés Bruno Le Floc'h, dedicado al mundo de la animación hasta que en 2003 hizo "Au borde de monde", ha fallecido. En España se le conoce por la obra publicada en "Ponent Mon", "Tres destellos blancos" (2007).
3) Con "Marvel Now!" a la vuelta de la esquina, la Casa de las Ideas, aprovechando la reenumeración de sus series principales, está preparando portadas conmemorativas formadas por collages de las imágenes más representativas de sus principales personajes.
4) Cada vez queda menos para el estreno de la tercera temporada de "The Walking Dead" y las maquinarias aledañas se han puesto en marcha. La juguetera de McFarlane sacará una tercera tanda de figuras, con Michonne y sus "zombis mascota", Merle Dixon y otro zombi más.
5) El número 611 de "Los Cuatro Fantásticos" será el último a cargo de Jonathan Hickman, antes del relanzamiento de la primera familia a cargo de Matt Fraction y Mark Bagley. Para este número, el guionista ha preparado el regreso del un gran villano: El Doctor Muerte.
6) El sello Vertigo continúa vivo, a pesar de los cambios en "DC" en relación a los "Nuevos 52". Ahora Vertigo publicará una antología de terror bajo el título "Ghosts", a finales de octubre, con la participación de Geoff Johns, Gilbert Hernández, Joe Kubert, Paul Pope, Jeff Lemire, Mark Buckingham o Víctor Santos, entre otros. Dave Johnson firma la portada.
7) "No leáis para divertiros o instruiros. Leed para vivir", dijo Gustave Flaubert, y bajo esa perspectiva nace la Casa del Lector, en Madrid, de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, como Centro Internacional para la investigación, el desarrollo y la innovación de la lectura. Aquí, la ilustración y el cómic estarán muy presentes.
8)  Jonathan Hickman se encargará de "Los Vengadores" y de "Los Nuevos Vengadores", dándole una vuelta de tuerca al concepto de este segundo grupo, tal y como lo había concebido Bendis. Ahora, esta segunda cabecera se centrará en Los Illuminati en un nueva encarnación formada por: el Doctor Extraño, Iron Man, Rayo Negro, el Capitán América, Reed Richards, Pantera Negra, Namor y la Bestia.
9) Parece que Ms. Marvel estará en "Los Vengadores 2". Carol Danvers podría ser uno de los personajes nuevos que se incorporarían al elenco principal en esta segunda película marvelita de Joss Whedon. Emily Blunt y Ruth Wilson suenan como principales candidatas a interpretarla.Devolvemos la conexión.

Seguiremos informando.

Spain is pain #70: Entre lobos anda el juego.

El concepto de cómic de autor va ligado en muchas ocasiones a la idea de una historieta centrada en lo personal, lo social y la experimentación, ya sea gráfica o narrativa, olvidándose en muchas ocasiones los títulos centrados en los géneros y sobre todo aquellos que articulan su discurso autoral a través del humor. Este es el caso de José Luis Munuera (Fraternity) y su obra Walter el lobo (Dibuks, 2012) pone de manifiesto esta faceta en la que el creador es hacedor de un discurso comercial pero no por ello carente de rasgos autorales.

La edición española de Walter, el lobo es un volumen integral compuesto por los tres álbumes franceses editados por Dargaud entre 2010 y 2011. Estos muestran tres facetas muy distintas de un personaje cuya iconicidad nos remonta al Coyote de Chuck Jones, aunque hay se acaba toda similitud. Evidentemente se trata de un homenaje en toda regla; sin embargo, Munuera evita la unidimensionalidad del personaje de la Warner para dotar a su creación de un carácter alejado de su referente icónico.

En “La noche del bebe lobo” a través de un acontecimiento inesperado, como la aparición de un hombre lobo, se pone en marcha un mecanismo que pone de manifiesto las irregularidades de la estructuras sociales contemporáneas y que ponen en marcha una revolución que se ve apagada por las promesas de unos mandatarios que prometen un status quo social en el que nada ni nadie sufre ningún tipo de cambio en lo que se refiere a la estratificación social.

Es en el segundo título “Hambre de zorro” en el que nos encontramos el mayor homenaje a Wil E. Coyote, aunque no es Walter el que es incapaz de llevar a cabo un plan para paliar su hambre, si no Fairbanks un zorro que intenta de manera fallida robarle la comida al protagonista. Esta historia pierde la linealidad argumental que estructura la primera en pos de una fragmentación centrada en los gags que narran el fracaso continuo del zorro por conseguir algo que llevarse a la boca.

El tercer título que integra este volumen es “El anillo mágico” una reescritura de El Señor de los Anillos en el que el autor acomoda los personajes y las situaciones más representativas de El señor de los Anillos de JRR Tolkien, en las que, como no, Walter es el elemento catártico que condiciona toda la narración.

Walter el Lobo, es ante todo un tebeo lúdico que busca hacer pasar un buen rato al lector sin complicar el relato demasiado con segundas lecturas, lo cual en este caso es una virtud, Otra ventaja es que es un comic para todas las edades ya que en ningún momento trata al lector como un idiota, cosa que suele suceder habitualmente con las historietas humorísticas que buscan el nivel referencial más bajo o que se basan en la complicidad contextual entre lector y el autor. Son en definitiva tres pequeños cuentos narrados con una deliciosa dinámica de cartoon estadounidense al cual Munuera sabe dotarlo de un ritmo propio capaz de cautivar al lector más exigente.

                                                                                                                                          @Mr_Miquelpg

Guapísimas #50.

El sótano del primo Barto: Donde los monstruos luchan a muerte

Los monstruos son una pieza clave del género de horror, ya sean estos seres mitológicos, mutantes cibernéticos o asesinos psicópatas armados con un martillo. Es difícil imaginar una buena historia de terror sin un mal puro encarnado en la piel de un adversario virtualmente invencible. La importancia del monstruo es tal que incluso algunos son capaces de sobrepasar a los héroes y convertirse en las estrellas de la historia. Encontramos numerosos ejemplos de este caso en diversas sagas, como pueden por ejemplo Hellraiser o Pesadilla en Elm Street; universos de pesadilla recreados en el cine y el cómic donde el monstruo, ya sea este Pinhead y su ejercito de cenobitas o Freddy Krueger, se convierten en los auténticos hilos conductores de una cronología de caos y destrucción.

No es la primera vez que hablamos aquí de la fascinación por el monstruo, aunque es cierto que deberíamos remarcar que muchas veces esta devoción por la criatura se queda más en una seducción por las formas que por el propio contenido. No podemos negar que tras los cenobitas o Freddy Krueger existe una cierta cosmología, aunque también resulta evidente que la misma está simplemente puesta al servicio de provocar más muertes, hasta el punto de que no existe ningún problema a la hora de saltarse las normas planteadas si en algún momento se interponen con la próxima muerte espectacular. El monstruo no es más que una excusa estética para diferenciar las muertes entre diversos universos, ya sean estas mediante cuchillos, cadenas, rayos láser o babas ácidas.

Todo lo expuesto anteriormente puede parecer un problema, incluso una limitación dentro del uso de monstruos en el género de horror. Sin embargo esto no es para nada así. Aunque es cierto que muchos autores se empeñan simplemente en crear un nuevo monstruo, con el que repetir las mismas historias lineales en las que las víctimas van cayendo como moscas, de vez en cuando nos encontramos con alguna historia que coge lo que siempre había estado allí y le da la vuelta sin que aparentemente cambie demasiado. Prueba de ello es Pudridero un cómic en el cual Jhonny Ryan demuestra que unos monstruos reventándose entre ellos puede ser al mismo tiempo la burrada más divertida y una reflexión sobre el propio monstruo, e incluso la narrativa gráfica.

Pudridero parte de una idea sencilla y clásica, un peligroso criminal es encerrado en un planeta prisión, lugar en el que tendrá que luchar con infinidad de presos monstruosos para defender su vida. En Pudridero, al menos en los dos primeros tomos recopilados en la edición española, Johnny Ryan no explica demasiado sobre el universo en el que habitan sus personajes, más bien se limita a batirlos en duelo, desfigurándoles y mutándoles si hace falta, hasta que todos terminen cubiertos de sangre, heces y semen, y al menos alguno de ellos muerto. Todo esto en una progresión totalmente lineal en la que nuestro protagonista sobrevive a duras penas cada combate solo para descubrir que tras el próximo paso se encuentra un enemigo mucho peor.

La obra está muy alejada de la producción clásica de Johnny Ryan con sus chistes de sal gorda donde nada es sagrado, un trabajo que cuenta tanto con defensores radicales como con personas que llenan sus tardes enviando amenazas de muerte al bueno de Ryan. Pocos se podían esperar una obra como Pudridero, un viaje al pasado, al dibujo preadolescente de pollas y músculos gigantes, donde además asistimos a un trabajo lleno de mimo y un excelso planteamiento de la narrativa interna del cómic. Pudridero de Johnny Ryan es una obra llena de terror desnudo, el canto de un niño de doce años que odia al mundo y quiere destruirlo al mismo tiempo que lo profana.

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La crítica del dibujante: Yo, Vampiro

YO, VAMPIRO: AMOR IMPURO

ECC/DC
13,95 euros
144 págs.

Sinopsis:

Nubes oscuras se ciernen sobre la humanidad bajo un cielo rojo escarlata, y solo Andrew Bennet conoce la causa de semejante amenaza: Mary, la Reina de Sangre, ha creado un ejército de vampiros con el que planea poner fin a siglos de vida en la oscuridad para su especie. Se avecina una guerra ideológica entre el discurso integrador de Andrew y el enfrentamiento directo de Mary, y los humanos son poco más que simple carnaza.

Es posible que el título de este tomo repela a los amantes del mainstream o a cualquiera con un mínimo de pudor frente a las últimas muestras de vampirismo mediático y/o literario (léase Crepúsculo, para más señas, no hay más culpable que éste). Nada más lejos de la verdad; en cuanto se hojea un poco el ejemplar puede adivinarse que el centenario Andrew Bennett sufre poco de vampirismo new age. Más cercano a Stoker que a Meyer, a Whedon que a Burton, Yo, Vampiro intenta encajar la existencia de estos violentos seres en un universo lleno de metahumanos y maestros de la magia. 

Joshua Hale Fialkov (Echoes, Elk´s Run), en su primera colaboración con DC, nos presenta el oculto universo vampírico de las New 52 bajo un paisaje oscuro, cuasiapocalíptico, muy lejano de los coloristas escenarios de JLDark, Animal Man o Swamp Thing. Su protagonista, el vampiro Andrew Bennett, se alza como justiciero cazavampiros (a falta de una mejor definición) frente a un ejército de los "suyos". No le faltará ayuda en forma de eventuales sidekicks (nadie es permanente en este oficio) e invitados especiales, como Constantine o el propio Batman, en la ya manida fórmula de cruce de colecciones para atraer al lector, aunque luego estas apariciones no pasen de la simple curiosidad y terminen por no afectar al argumento general de ninguna de las series afectadas. 

Por citar otras referencias, el guión de Yo, Vampiro tiene, en su primera lectura, cierto regusto a los juegos argumentísticos de Eric Kripké (Sobrenatural, Revolution) y al toma y daca entre personajes del anteriormente citado Joss Whedon (Buffy: The Vampire Slayer), además de ciertas trazas de la televisiva Dark Shadows en su pareja de protagonistas; aunque de eso tiene la culpa la serie original de DeMatteis (publicada entre 1981-1983), con la que comparte origen. Más allá de considerar esto una tara, puede convertirse en su principal atractivo para aquellos que gusten de este tipo de historias. 

Pasando ya al atrayente visual, nos encontramos con el dibujo de Andrea Sorrentino (God of War, X-Files) y el color de Marcelo Maiolo (Red Sonja, Demon Knights) en los seis números contenidos en este tomo ¿qué decir sobre ellos? Un dibujo correcto, de corte realista y no exento de seriedad, con fuertes cargas de negro propias del claroscuro, donde el color, lúgubre en su mayoría y ligeramente salpicado de texturas, acompaña perfectamente. Un trabajo de libro, sin más atractivo que el de respetar el ambiente en el que se mueve y a veces lucirse en composiciones a doble página, con la pobre excusa que tiene un cómic de mostrar buenas ilustraciones cuando es la narrativa lo que importa. 

Si queréis buscar un referente visual básico para esta serie, lo tenéis en Tim Bradstreet y sus acercamientos al rol de corte nosferático. Para muestra, un botón.