Guapísimas #102.

Los Cómics del Sensei: #LaNuevaPatrullaX // #AllNewXmen

Siguiendo una de las más sanas costumbres superheroicas, la sección ofrecida por SENSEI COMICS renace de sus cenizas, siempre al día de las novedades en estanterías españolas. En esta ocasión, nos hacemos eco de la revolución mutante en La Nueva Patrulla-X, raza muy alejada ya de sus horas más bajas tras las famosísimas tres palabras que Wanda Maximoff, en un arranque de locura y patetismo, tuvo a bien pronunciar.

Como ya se predijo en nuestro primer comentario sobre la, por aquel entonces, recién aparecida colección, la obra de Brian Michael Bendis se ha revelado como uno de los mejores títulos de la ReEvolución marvelita, aún salpicada por los eventos acontencidos en la polémica “Avengers vs Xmen (AvX)”, aunque avanzando poco a poco hacia nuevos escenarios. No en vano es ahora el propio Cíclope el rostro visible de la revolución mutante, con actitudes y proclamas más cercanas a las clásicas que ya manifestara Magneto en sus días mozos que las enseñadas por el profesor Xavier; asesinado por el Fénix durante los eventos de “AvX”. La sombra de este suceso planeará incesante sobre los miembros de la Patrulla, aún divididos y enfrentados.

La colección opta por un arranque rápido con Hank McCoy (quién nos dará más de una sorpresa a lo largo de los primeros números) pasándose por su peludo forro cualquier precaución o advertencia sobre viajes temporales y, con afán de solucionar los problmeas del mundo mutante de un plumazo, trayéndose desde su propio pasado a una primeriza Patrulla-X (para los olvidadizos: Cíclope, Jean Grey, Bestia, Hombre de Hielo y Ángel). Su plan, o intención, es enfrentar a Cíclope con su joven “yo” y hacerle entender lo equivocado de sus actos. Como nada resulta nunca ser tan fácil, ni dos más dos son cuatro en este tipo de asuntos, el choque afecta en demasía a ambas partes, ofreciendo más problemas que soluciones y separando de nuevo lo inseparable.

Siguiendo este punto de partida, el guión de Bendis juega con el lector añadiendo y desbrozando subtramas de manera rápida y muy entretenida, ya que en cada nuevo encontronazo de la joven Patrulla-X con sus contrapartidas adultas surge un nuevo dilema a resolver, y en el caso de los que ya no tienen dicha contrapartida en la que fijarse, el efecto es doblemente traumático (léase Jean Grey, epicentro de todos los terremotos del universo mutante). Las reacciones y respuestas de cada personaje en cada caso, aún siendo a veces previsibles, terminan por hacer honor a la fama del guionista y sorprenden en su resolución, resultando a veces en sonoros cliffhangers (el del #5, de nuevo con Jean Grey, es de traca).

Stuart Immonen, para algunos el dibujante definitivo, hace honor a sus mejores apelativos y ofrece un trabajo sólido y absolutamente dinámico durante estos cinco números; las tintas de Wade Von Grawbadger y el color de Marte Gracia rubrican y enriquecen dicho trabajo, dando un resultado bello, rico en detalles y (lo más importante, no olvidemos) legible: sean páginas llenas de personajes, conversacionales, con acción o sin ella, el dibujo sabe llevarnos en cada momento por cada personaje, cada acción y cada escenario sin que nuestros ojos se pierdan en la vorágine. David Marquez le sustituye como artista principal durante parte de los números #2 y #3 de esta edición, sin bajar el listón de lo ya mostrado y haciendo gala de una profesionalidad envidiable.

LA NUEVA PATRULLA-X #1-3

Panini Cómics
72 págs.
3,90 €

LA NUEVA PATRULLA-X #4-5
Panini Cómics
48 págs.
3,25 €

MOVIES' RECKONING #0 (NUEVA SECCIÓN): ¿#BATMAN o BATACAZO?

Llega una nueva sección de crítica cinematográfica (siempre dirigiendo la mirada al mundo del cómic, claro está), contando esta vez con la frescura de las palabras del hombre que quebró al murciélago en The Dark Knight Rises, sitió Gotham, hizo que la pequeña Talia escapara del Pozo y que, como por culpa de su máscara no se le entendía nada, le tuvimos que poner un teclado delante y esto es lo que obtuvimos. Bienvenidos a MOVIES' RECKONING... y cuidad vuestras espaldas.

¿Batman o Batacazo?

Ben Affleck, Zack Snyder y David S. Goyer: ¿la Liga de la Injusticia?

Por @ReckoningMan

Hace prácticamente dos meses casi me atraganté con el café cuando leí la noticia por Twitter: Ben Affleck interpretará a Batman en la secuela de El Hombre de Acero. Debo admitir que lo primero que hice fue echar bilis por la red y quejarme sobre esta decisión sin ningún tipo de meditación previa, como mucha gente entonces. Otros no dudaron en expresar su ilusión ante la elección de Warner Bros, pues veremos al hombre murciélago de nuevo en la gran pantalla (apenas tres años después del estreno de The Dark Knight Rises). Fue entonces cuando ambas opiniones chocaron en lo que se convertiría en uno de los temas más debatidos entre los cinéfilos (y sobretodo los fans de los cómics) actualmente: ¿será el Batman de Ben Affleck capaz de dar la talla? Los pro-Affleck defienden al actor empleando argumentos tan variopintos como el hecho de que haya ganado un Oscar, de que su mentón se adecue al cánon dictado por DC Comics o, en casos muy desafortunados, que no hace falta que sea un gran actor para interpretar a Batman, pues es solo un tipo vestido de murciélago que habla con voz ronca. Que posea una estatuilla de la Academia por su gran maestría en la dirección (cualquiera que haya visto la genial Argo es testigo de ella) no le aporta más talento en la actuación y, siendo sinceros, Ben Affleck es un actor más bien mediocre (véase Daredevil, considerada de las peores películas superheroicas de la historia). Aquel que dice que Batman es solo un tipo enfundado en un traje no ha captado en absoluto la esencia de este complejo y atormentado héroe, por lo que le recomendaría que viera la trilogía de El Caballero Oscuro en el caso probable de que no lo haya hecho o, si tiene el nivel intelectual suficiente, atreverse a leer uno de sus cómics.

¿Es Affleck el verdadero problema? En mi opinión, no. Tan solo es una mala decisión dentro de otra: reiniciar a Batman. Admitámoslo, nos hubiéramos quejado con cualquier otro actor. Tal vez menos, pero lo hubiéramos hecho. Para saber el por qué de este fatídico reinicio primero hay que fijarse en el estado actual del estudio cinematográfico de Marvel. La jugada que ejecutó junto a Paramount con Los Vengadores empleando la conexión de películas independientes que culminaron en, a mi parecer, un filme extremadamente divertido y decente, fue una de las más rentables de la historia del cine. Parece ser que la unión de superhéroes da muchos beneficios, así que Warner Bros, con los derechos de la Liga de la Justicia de DC Comics a su disposición, se puso a mover hilos para copiar la jugada.

La primera pieza de la estrategia era El Hombre de Acero, el reinicio de Superman que todos esperábamos ansiosos (sobretodo porque Christopher Nolan y David S. Goyer eran los guionistas. ¿Cómo podían decepcionarnos?). Lo que parecía que iba a ser un gran filme gracias a la nolanización del héroe kryptoniano resultó ser una cinta más bien mediocre que no cumplió las expectativas del público ni de la crítica… aunque recaudó millones de dólares a nivel mundial, eso sí. ¿Será culpa de Nolan y Goyer o de las modificaciones que Zack Snyder, como es propio de los directores de cine, pudo haber infligido al guión? Nunca lo sabremos, pero lo que está claro es que El Hombre de Acero nos decepcionó a pesar de no tratarse, en mi opinión, de una mala película. El caso es que Nolan ya iba a retirarse del cine de superhéroes, pero Warner Bros le pidió que trabajara en la realización del filme de la Liga de la Justicia. Naturalmente rehusó. Luego trataron de convencer a Christian Bale para que interpretara a Batman de nuevo, con lo que contestó que no se metería en el bat-traje otra vez si Nolan no dirigía, a pesar de las enormes sumas de dinero que Warner les ofrecía a ambos (a mi parecer, un gran ejemplo de integridad profesional). Luego probaron con Joseph Gordon-Levitt, pero también lo rechazó. Por lo visto Warner Bros no piensa hacer una Liga de la Justicia sin Batman, así que eligieron a Ben Affleck.

Ahora hablemos de la Liga de la Justicia. Sus integrantes son los más grandes héroes del universo, algunos incluso dioses entre nosotros. Superman, Wonder Woman, Flash, Batman, Green Lantern… ¿Por qué creo que una película suya muy difícilmente puede funcionar? Los Vengadores lo hicieron porque no son super-poderosos. Todos tienen ciertas limitaciones que pueden solventar con el trabajo en equipo. Además, son personajes cuya profundidad y conflictos pueden abarcarse con facilidad, lo que permite darles protagonismo a todos. ¿Qué pasa con la Liga de la Justicia? Son personajes en su mayoría muy poderosos (incluso demasiado), muy independientes y con un nivel notable de profundidad. En una película donde tan solo se han introducido dos o tres personajes en filmes previos no se les podría dar a todos el protagonismo que necesitan, lo que podría generar personajes vacíos y mediocres. Además, fuera del cómic podrían resultar muy estrafalarios, incluso ridículos; muy propensos a mostrar un enorme despliegue de poderes por pura fanfarronería hollywoodiense.

Y ahora reunamos todas las piezas del rompecabezas: Warner Bros quiere a la Liga de la Justicia en la gran pantalla, un proyecto con muchas posibilidades de ir mal. Ni Nolan, ni Bale ni Gordon-Levitt quieren tener algo que ver, cosa que comprendo a la perfección. El Hombre de Acero destruye nuestra confianza hacia la nueva etapa de adaptaciones de DC Comics. La productora quiere meter a Batman en el proyecto a toda costa, sin importarles que tiene todas las de ser de una calidad extremadamente inferior al de Nolan. Y encima eligen a Ben Affleck para interpretar a un Bruce Wayne, en palabras de los realizadores, cansado y agotado. Conclusión: dinero.

Si alguien tuviera un mínimo de respeto hacia las historias de DC no se subiría a ese barco, ya que tiene muchas posibilidades de naufragar. ¿Qué otra cosa buscan los que son capaces de iniciar el reinicio de Batman un año después del estreno de su última película, el final de una de las mejores sagas de la historia del cine? Nolan nos mostró prácticamente todas las facetas del personaje. ¿Qué podemos esperar del nuevo Batman que sea sorprendente? ¿Qué luche junto a un Superman que nos dejó un regusto amargo en la boca? No veo correcto ni lógico culpar a Ben Affleck de la situación en la que nos encontramos. Habría que culpar a la gente de Warner Bros y a la creciente falta de ética en Hollywood.

Me encantaría estar equivocado y comerme todas estas palabras si El Hombre de Acero 2 y la adaptación de la Liga de la Justicia nos sorprendieran en un futuro… pero por mucho que el símbolo que luce Superman signifique esperanza, a mí no me ha infundido ninguna. 

@ReckoningMan

Spain is Pain #140: Delicia ilustrada

Hace poco menos de un año a colación de hablar de las diferencias que existen entre los conceptos de editar fanzines y autoeditarse hacía referencia a… , bueno, en realidad el nucleo del articulo estaba centrado en la labor de un grupo de autores que se parapetaban bajo el nombre de Los ninjas polacos más centrados en la ilustración que en el cómic. El proyecto evolucionó hasta que en marzo de este año nos descubrieron sus nuevos planes: la editorial El verano del cohete.

Dentro de ese sello editorial nos llega recién salido de imprenta El rey de los elfos (Der Erlkönig) adaptación ilustrada por Borja González del poema que Johan Wolfgang Goethe publicara allá por 1789. Un poema breve pero vertiginoso que recoge esa aura de malditismo y romanticismo alemán de manera condensada a través del filtro de la mitología.

Pues bien, Borja González se ha atrevido a ilustrar este popular poema con su estilo preciosista y puntillista dotándole de personalidad propia pero sin perder en ningún momento el referente del poema de Goethe. Se toma sus licencias y reinterpreta, pero sobre todo recoge la intensidad del texto original complementándolo a la vez de tener personalidad propia. Complementa no solo en un aspecto visual sino que aporta de cosecha propia para expandir la narrativa, si en el poema se sugiere en el texto de Borja da por hecho, convierte al rey de los elfos en una certeza, en un ser todavía más terrorífico y convertir la niebla en arboles hace que la fuga de los protagonistas sea más azarosa.

El rey de los elfos es un título fantástico capaz de estremecernos a pesar del tiempo que ha pasado desde que fue escrito y ahora tenemos la oportunidad de recuperarlo en esta reimaginación gráfica de Borja González, en una edición preciosa con prólogo de Erica Couto y la traducción de David Carril. Disfrute y sobrecogimiento garantizado.
                                                                                                                     

@Mr_Miquelpg

Spain is Pain #139: Diagramación narrativa.

La soga (1948) de Alfred Hitchcock, adaptación de la obra de teatro escrita en 1929 por Patrick Hamilton, era ya de por si un ejercicio narrativo basado en un falso plano secuencia que jugaba con un escenario único que era conocido al dedillo por el espectador, el cual lo único que debía esperar era la resolución del crimen y la evolución de los personajes en un espacio de tiempo bastante reducido.

En 2012 Zer edita de manos de Ultrarradio, como no, una adaptación del film del director británico que recibirá el mismo nombre que el original: La soga. La historia es la misma, sencilla de explicar pero compleja de narrar: dos estudiantes que asesinan  con sus manos a un tercero momentos antes de empezar una reunión de amigos y familiares, con la particularidad que el cuerpo esta, casi, de cuerpo presente y los no se ocultan en ningún momento. Por medio la historia esconde una crítica al predestinación social de los pudientes. Esa es en resumen la sinopsis de este relato. sin embargo, Zer al igual que Hitchcok decide dotar de complejidad a la forma en que este relato ha de ser explicado, en cierta manera apoyado en el conocimiento previo de la película.

La complejidad es tal que se plantea como un juego con instrucciones que nos ayudaran no tanto a entender la historia, sino a leerla ya que la construcción narrativa se hace única y exclusivamente a través de lo visual empleando diferentes tipos de diagramas: para jerarquizar la importancia de los personajes, diagramas de árbol para establecer parentescos familiares, diagramas de flujo que nos ayudarán a identificar el índice de contenidos por página.

Se trata de un relato en el que el espacio es tan protagonista como el resto de los personajes, es el que está esperando que se revele el secreto que se oculta en su interior, y así se plasma en esté título, el autor se vale de la planta del apartamento para ubicar elementos personajes y para desplazarlos de un lugar a otro sin que el lector pierda la noción del espacio.

Queda clara la intención del autor de narrar experimentando, contar dotando a la forma de tanta o más importancia que al relato. La soga de Zer es uno de esos títulos que brilla por lo valiente y lo extraordinario de su formato haciendo de el una lectura, o visionado, imprescindible.

                                                                                                                       @Mr_Miquelpg

Guapísimas #101.

El sótano del primo Barto: El vértigo de meramente existir

Un conocido cómico nacional, con colaboraciones en radio y televisión, sus actuaciones en monólogos y créditos como guionista me explicó una vez lo que para él era un chiste. Nunca me ha parecido que ninguno de sus trabajos fueran demasiado graciosos, me da la sensación de que le echa ganas, no demasiadas, y creo que carece de talento. Pero lo importante es que me explico de forma matemática, como explicamos las matemáticas los que somos de letras, la construcción de un chiste, el típico resumen de tres pasos: el planteamiento, nudo y desenlace de toda la vida pero con otro nombre. El tío tenía una estrategia de trabajo perfecta en la cabeza, pero aún así sigue sin parecerme gracioso. Supongo que en parte se debe a que sus chistes, o planteamientos si hablamos de monólogos, son demasiado rígidos, tan estructurados que llegan a ser aburridos. Uno sabe cuando le está planteando algo aparentemente normal, para después girar hacia una parcela más extraña que sirve como campamento base, y finalmente soltar la frase que lo conecta todo, que relaciona lo normal con lo extraño y lo vuelve, de nuevo aparentemente, gracioso. No queda espacio para la incertidumbre. Desgraciadamente por fortuna la vida no es así, siempre llegamos tarde a cualquier sitio y nos vamos demasiado pronto, quedándonos con un humor basado en la mera situación desnuda, sin construcción, sin que nadie lo planee, porque simplemente sucede así.

Esto es lo que sucede básicamente en el cómic Ojalá te vaya bonito del noruego Bendik Kaltenborn, una antología de una de las voces más personales de los que hacen cómics pero viven al norte de Europa. Las historias de Bendik Kaltenborn, varían desde una simple viñeta a una tira, una página o varias de ellas, una extensión que presenta la misma heterogenia en los estilos artísticos, encontrándonos desde el simple garabato hasta el collage o un dibujo muy refinado, heredero de la mejor línea clara europea. Aunque claro, la propia variedad puede responder a la infinidad de la vida, pues aunque las historias de Bendik Kaltenborn tengan un regusto a realismo mágico están demasiado pegadas a la realidad cotidiana del occidente más gris como para poder catalogarlas de mágicas. Todo es tan malditamente realista que a veces cuesta clasificar su creación, ya que nos reímos a pesar de que no estamos claramente ante una obra de humor, del mismo modo que notamos cierta tensión interior, incluso angustia, sin que en ningún momento lo que está ante nuestros ojos pueda catalogarse como terror. Pero hay algo, algo que quizás no terminamos de entender pero que nos impacta. Es como ver un tumulto en la calle, acercarte y ver una pelea entre un mendigo y un hombre con traje, te quedas mirando un rato y te vas cuando la policía se lleva a los dos hombres. No sabes porque ha empezado la pelea ni como va a terminar, pero en cierto sentido te ha afectado.

Ojalá te vaya bonito es eso y mucho más, pues Bendik Kaltenborn no coloca sus reflexiones de forma abstracta, las ata a escenas cotidianas en el sentido más anodino, con hombres de negocio que fuman puros y familiares que te invitan a una taza de té, aunque siempre se puede dejar espacio para una serpiente que habla o unos gnomos que viven en unas flores. Cuando te terminas de leer Ojalá te vaya bonito no podrás hacer un resumen muy claro de lo que has visto, aunque sin embargo habrás reflexionado mucho sobre la vida. Quizás ese sea el mayor talento de Bendik Kaltenborn, coger la anarquía de la propia vida para darle la vuelta y de forma inesperada destilar algo de sensatez en mitad de un espanto que da risa y unas bromas que no tienen la más mínima gracia, porque al final la vida no entiende de esquemas o estructuras, y el objetivo del arte no deja de ser la propia vida.

@bartofg

Sesión Numerada #26 The Toxic Avenger (1984). Welcome to Tromaville!

El Vengador Tóxico es parte indiscutible e incluso imagen de marca de la casa Troma, productora y distribuidora independiente encabezada por Michael Herz y Lloyd Kaufman que tiene al cine bizarro de serie Z como su máximo exponente. El sexo, la violencia y la sangre, en su vertiente cómica, son las características que pueden definir el estilo de esta compañía, unido  a toques de ingenio y algunas que otras escenas grabadas de forma peculiar con un estilo propio indiscutible.

El Vengador Tóxico cuenta con varias secuelas, un cómic editado por Marvel en 1991, una serie de televisión animada llamada Toxic Crusaders en un tono más light para los niños y hasta un musical: The Toxic Avenger: The Musical! que se realizó con motivo de su 25 aniversario.

En su momento, 1984, e incluso a día de hoy, en menor medida, El Vengador Tóxico podría estar catalogado como no cine, es decir, como un atentado a lo que el público en general puede entender como una película de calidad y es ahí donde reside el encanto de la misma, en la exageración, lo bizarro, lo cutre y lo patético. Y puedo afirmar que a día de hoy esta cinta no es tan descabellada porque cosas mucho peores se pueden encontrar en  Youtube, grabaciones de grupos de amigos con menor calidad, tanto artística como humorística.

La idea de la que parte el film es bien sencilla, Tromaville es una pequeña ciudad de New Yersey, la eterna marginada a la sombra de New York, en la que se almacenan residuos tóxicos con total libertad. El gimnasio de la localidad es el punto de partida de la historia y su empleado de la limpieza, Melvin, el protagonista de la misma, un chico con cierta deficiencia mental y con un careto de paleto que se convierte en el hazmerreir de la comunidad que frecuenta el gimnasio y al mismo tiempo estos son el foco de la sátira y la crítica de la película, personajes que solo se preocupan por el físico, las drogas y fiesta continua. A ellos se le suma el gordo seboso del alcalde que es un corrupto sin freno (muy en la onda de nuestra actual política) y el jefe de la policía, un idiota con toques nazis.

Melvin,  huyendo de una broma de los chicos del gimnasio, cae en una barril de residuos radioactivos ataviado con un tutú rosa, y se convierte en un monstruo horrendo tras sufrir una serie de mutaciones pero con una fuerza descomunal con la que intenta acabar con la corrupción, los delincuentes y demás personajes malvados de la comunidad.  Las escenas de en las que el monstruo entra en acción son la mar de divertidas y originales, desde meter a una mujer enana en una lavadora para después pasar a la sesión de planchado, hasta acabar con unos atracadores en un restaurante haciendo de ellos el plato estrella de la casa. La caspa, la sangre en bote, los efectos especiales de andar por casa, las persecuciones y la propia historia de amor entre una ciega y el monstruo, sexo incluido, la convierten en una desternillante combinación que se supera a cada momento que pasa, los gags y chistes se suceden sin ton ni son lo que provoca que no puedas de dejar de verla. Probablemente falle el final, demasiado rápido y light en comparación con el resto de la cinta.

Y ya por último y como colofón mencionar que se está trabajando en el remake de El Vengador Tóxico y suenan nombres como Arnold Schwarzenegger, motivo que le aporta más valor de culto a esta película. 

#POWERPAINS 2x24- El que todo lo ve VS. El devorador de mundos

Uatu se despide ya de #POWERPAINS, por ahora, parece. Ya va terminando su gran saga veraniega, y tiene que ir a seguir observando universos.

Nosotros nos quedamos, y como sabéis, tenemos nueva sección en LARAÑA, en la que es importantísima vuestra colaboración. DIBUJANDO CHICAS DE SERIE B: ATOLÓN BIKINI necesita vuestras sugerencias, todos los lunes aquí, en LaRAÑA!

Y ya de paso, recordaros que en #CHICADESERIEB se están sucediendo estos días en doble entrega las aventuras de La Arqueóloga y de Eliván, por separado. ¡Dos tiras por día en el cómic online más famoso de los crowdfundings! ¿Ya tenéis el megaposter?

Fashion Freaks 25 # Operación Mística

Damas y caballeros, despidámonos y digámosle adiós de manera oficial al verano. Como si fuéramos un Joseph Gordon-Levitt cualquiera, despidámonos del verano para darle los buenos días al otoño.

Y no hay nada mejor para asumir que el verano se fue, que seguir cuidándonos y poniéndonos en forma, ahora en vez de llamar ‘Operación bikini’ es ‘Operación polvorón’, pero bueno, aunque el nombre no sea muy bueno, siempre podría ser peor, como ‘Operación Vestido-de-fiesta-para-nochevieja’.

De cualquier modo, vamos a seguir estando guapos, y para ello esta semana vamos a imitar a la que más ha de cuidarse de entre todos los personajes del paraíso Marvel, Mística. La señora azul que va desnuda, que aunque nosotros no vayamos a ir en pelotas por el mundo, es nuestra fuente de inspiración.Sólo actrices de las perfectas medidas de Rebeca Romjin (y por aquel entonces, Stamos) y Jennifer Lawrence han podido serlo... no está al alcande de todas interpretar a este personaje. Hasta hoy.

Para los chicos es muy sencillo, un chándal en color azulado, del estilo de esta sudadera tan cómoda y de buen precio de Adidas, que tendrá también pantalones cortos, por si os decidís a participar en las maratones y carreras que se suelen organizar en estas fechas. Si os gusta el look deportivo pero no tanto como para ir en chándal (bien por vosotros, Fashion Freaks míos con estilo), podéis usar un pantalón vaquero de corte ajustado o recto, tipo Acne Skin Jean, como el que hemos elegido nosotros. ¿En los pies? Unas zapatillas del mismo color, que Adidas las tiene con trazas en color blanco.

Si eres chica, la elegancia manda y pide una falda de piel en tonos azules y muy, muy ajustada, como siempre deberían ser estas faldas. Esta concretamente es de Jitrois, y tiene un tono muy chulo. Para acompañarla, nada mejor que una blusa blanca de corte masculino, para darle un tono más sobrio al look, tipo Zara, o si prefieres ir en clave más informal, una camiseta lisa y simple, más del estilo Stradivarius. Y como sabemos que refresca… una chaqueta de cuero en el mismo azul, como esta de Schott NYC Ladies. Ojo, si no es exactamente el mismo tono, no pasa nada, elígela en uno o dos más oscuro, nunca más claro que la falda.

En cuanto a los complementos, unos botines azules con cuña te harán sentirte como una auténtica superheroína de comic, como estos de Qupid Vela Wedge. Eso sí, no te caigas que los malos vendrán a por ti… y están muy altos.

Dibujando Chicas de Serie B: Creando a ATOLÓN BIKINI (3)

Ya hemos peleado durante 3 semanas con posibles ideas... Ahora vamos a dejaros jugar a vosotros. Hemos desarrollado varias opciones, y hemos fusionado algunas ideas. Ya tenemos una protagonista, aunque diferentes ideas.

Mientras que yo optaba por un bikini muy ochentero, imaginando una serie de televisión de la época (Hola, David Hasselhoff), Mario comentaba que se imaginaba un bikini años 60. Y mientras que mario imagina que una chica de origen isleño, se transforma en una chica caucásica más propia de Los Ángeles (Atolón Izquierda), yo imagino una transformación también de color, al estilo Hulk o Hulka (Atolón Derecha). ¿Cómo hacemos?

ORIGEN 1: Una niña de una tribu hawaiana, de las islas del Atolón, Se pierde antes de que vayan a hacer las pruebas nucleares en los años 60, justo en ese momento cae una de las bombas nucleares. Se despierta ya en los años 80, convertida en una despampanante rubia de metro ochenta, que tiene en su interior LA FUERZA NUCLEAR (puede demostrarlo con puñetazos más fuertes, y efectos de sonido que la acompañan al saltar vallas normales. Hay presupuesto limitado). Cuando llega a la civilización compra un Buick y va resolviendo entuertos y ayudando a la gente.

ORIGEN 2: En los 80, una científica muy apocada de Norteamérica está estudiando cómo desactivar una bomba nuclear, con un ensayo en el laboratorio de Industrias Larsen. De repente, un rayo cae y absorbe toda la radiación de la bomba. Al salir, atolondrada del lugar, lo primero que ella toca es un coche aparcado fuera de las instalaciones, y le transmite la FUERZA NUCLEAR. Ella se da cuenta también de que ha adquirido el Estilazo del coche, con el aspecto de una rubia despampanante y los poderes y conocimientos se han multiplicado (puede demostrarlo con puñetazos más fuertes, y efectos de sonido que la acompañan al saltar vallas normales. Hay presupuesto limitado).

Contextos:

1/ Superhéroes (Más gente con esos poderes, más superhéroes, megavillanos)
2/Serie Ochentera (El Coche Fantástico, MacGyver)
3/Red Sonja (trasladados a una edad hibórea)

¡Comentad el origen, contexto y diseño que más os gusta!

La semana que viene se publicará la portada con el diseño, origen y contexto que hayáis elegido, y a partir de ahí plantearemos la tira, y volveremos a consultaros. Si no se anima esto y no tenemos suficientes comentarios, seguiremos explorando y estos post se alargarán. ¡DEPENDE DE VOSOTROS QUE "ATOLÓN BIKINI" COMIENCE SU ANDADURA!

Iván Sarnago

Spain is Pain #138: Un relato perfecto.

Pocas veces puede decir uno que se ha visto atrapado por un relato y no ha podido soltarlo hasta que ha acabado de leerlo, y después de eso ha seguido pensando en los mecanismos internos de la historia, la evolución y desarrollo de los personajes, el papel que juegan los escenarios y las líneas argumentales que hace que todos los seres que pueblan una historia se entrecrucen para formar un universo completamente habitable.

Puede parecer que lo que digo sea algo banal, que todos nos hemos visto atrapados en esa tela de araña tejida por un autor, ya sea de comics o literario, un director de cine o un creador de videojuegos. Posiblemente sí, pero que sucede cuando todos los niveles que he mencionado en el párrafo anterior funcionan empujando por una historia con unos personajes, que siendo arrebatadores, no son más que seres comunes que nos podemos encontrar todos los días en nuestras calles y en nuestros círculos más cercanos. Todo eso tiene como resultado relatos, historias, novelas o novelas gráficas (como le queráis llamar, da igual) como Papel estrujado (Astiberri, 2013) de Nadar (a.k.a. Pep Domingo) textos en definitiva que son o se acercan mucho a una narración perfecta.

Papel estrujado, la obra debut de este autor, plantea sin resquicio alguno una serie de relaciones humanas que operan como en la vida real, es decir, en la superficie parece una serie de casualidades pero en lo más profundo parece que todo está organizado y predeterminado por el destino. Y este quiere que esas personas se encuentren, se enfrenten, se relacionen se enamoren, etc. Al menos así es como se plantea una historia en la que dos personajes independientes, por un lado Jorge un adulto que llega a la ciudad y empieza a trabajar en una carpintería industrial, y por otro Javi, un chaval de 16 años que ha dejado el instituto y que ejercer de matón de aquellos más desfavorecidos a cambio de unos euros. Jorge es un personaje sosegado, atormentado por su pasado y por otro un personaje en plena efervescencia de la adolescencia con un trasfondo mucho más maduro de lo que podría aparecer en un primer momento. Ambos personajes, cada uno siguiendo su camino, están destinados a colisionar, a explotar en un momento concreto, pero sin finales felices, la vida simplemente continua. Por un lado Jorge talla caballos en madera de forma atávica, reside en un hostal que se llama Los caballos, es un personaje que está profundamente atado a un pasado del que no se puede librar, de hecho parece que no quiera hacerlo; sin embargo, Javi tanto por su juventud como por su actitud es una persona vinculada al futuro, hace planes, busca algo, se trata de dos personajes diametralmente opuestos en su concepción vital y perceptual.

Nadar aborda el relato con una sobriedad gráfica muy efectiva, sin ser meramente funcional y cargada de personalidad a pesar de que el lector pueda encontrar ecos a Frederik Peeters y David Mazzuccheli. Pero que funciona a nivel sinestésico para los personajes, en el caso de Jorge y su filia por los caballos como un leit motif, es de lo poco que le hace moverse, en cambio en Javi la sensorialidad funciona de cara a la dinamicidad y la vitalidad de las acciones de este, en las páginas en las que hay algo de acción (198-202) el autor adopta cierto estilo ligado al manga para dotar de velocidad a la persecución que tiene lugar.

Otro de los aspectos que creo que hace que este relato perfecto funcione son los secundarios, como están planteados y como aparecen en escena. Por un lado están las personas que están relacionadas con Javi, básicamente familia y amigos, aparecen descubriéndonos los motivos por los que este adolescente actúa de esa manera en concreto. En cambio con Jorge es diferente, él nos descubrirá más adelante el porqué de su comportamiento, pero en las distancias cortas ningún secundario nos descubrirá nada de su pasado, sino que funcionarán a nivel catártico de cara al clímax de una historia que brilla por mantener un ritmo constante sin tiempos muertos y con un avance constante de las tramas.

Posiblemente estemos ante una de las mejores obras de este año, que no es decir poco dada la calidad y lo arriesgado de las apuestas que ha habido a lo largo de estos meses, que creo imprescindible para entender la novela gráfica como una forma muy personal de entender el cómic. Se trata de una obra excelente, con un planteamiento brillante y con una descripción de espacios y personajes deliciosa, se lee del tirón y engancha desde la primera página hasta la última. De manera que si este año tenéis pendiente leeros una novela gráfica, Papel estrujado de Nadar es vuestro libro.

                                                                                                                           @Mr_Miquelpg

Guapísimas #100.

Sesión Numerada #25 Old Boy (2003). Entre la verdad y la venganza.

Son varios los motivos que me han llevado a recordar la grandiosidad de esta película. En primer lugar, la nueva edición en nuestro país del manga en el que está basado el film a cargo de Random House Mondadori, a la venta desde principios de mes. Y en segundo lugar, el lanzamiento del tráiler del remake de Spike Lee que se estrenará en los Estados Unidos el próximo 23 de noviembre de 2013. Bajo estas dos premisas el revisionado y la crítica estaban más que justificados.

Volviendo al formato original y primigenio, el manga guionizado por  Garon Tsuchiya y dibujado por Nobuaki Minegishi parte de la concepción del suspense, transmitido a través de páginas y páginas sin apenas diálogos que te hacen involucrarte totalmente con las imágenes y la historia contada, de la violencia, vista desde un punto tal que el lector la conciba como necesaria, y de la venganza, el culmen de la obra y redención final. Partiendo desde estas tres premisas parece hasta lógico que Chan-wook Park le confiriese un lugar destacado dentro de su particular trilogía de la violencia, era como un caramelo en la puerta de un colegio a la espera de que un niño le hincara el diente.

Chan-wook Park hace un excelente trabajo de adaptación, primero porque se ha llevado a su terreno, el de la venganza familiar, la obra originaria, cambiando las relaciones que se establecen entre los personajes y adaptando a su propio estilo, imaginario y cultura cinematográfica una obra que parte de unas premisas marcadamente japonesas. Ha sabido darle su particular estética que roza entre la belleza más sublime a nivel de composición de la imagen y la perfección de algunas destacadas escenas que ahora se debaten en los círculos teóricos del cine, como son: la escena del pulpo o la escena del martillo, a la que se le suma un final que te revuelve el estómago y las entrañas, es visceral a la par que hermoso. Pero por otro lado la brutalidad es otra de las notas destacadas del director, la venganza y la violencia no pueden dejar a nadie en la indiferencia, hacen que te involucres con la historia y que la entiendas, de algún modo es una especie de violencia justificada. Digamos que hay un equilibrio entre la contención y el exceso en las que las notas de humor son piezas claves.

Al igual que ocurre con el manga, el guión ha sido construido a partir de gestos, sensaciones, imágenes y unos escasos diálogos que se quedan grabados a fuego en la mente del espectador, las palabras están en su justa medida y solo cuando son necesarias. A esto le sumamos los toques que Chan-wook Park le da de surrealismo onírico, tal vez menos realistas que el cómic pero colocados en una justa medida que otorgan a la película momentos de alivio de tensión y la dicotomía  antes mencionada, de contención frente al exceso y belleza frente a brutalidad, todo ello enlazado con una canción que suena de fondo y una banda sonora que acompaña por completo a la película, al igual que las interpretaciones de casi todo el reparto.

Con respecto al nuevo remake, creo que será casi imposible igualar el trabajo de Chan-wook Park, o tal vez Spike Lee sepa llevarse a su propio terreno cultural esta peculiar historia de venganza (siendo optimistas). Lo que sí queda claro es que el Old Boy  de Chan-wook Park es de obligado visionado y fundamental para conocer parte de lo que son ahora los nuevos lenguajes narrativos.

Dibujando Chicas de Serie B: Creando a ATOLÓN BIKINI (2)

Iván y yo hemos pasado esta semana pensando en Atolón Bikini. Y en otras cosas, como la mudanza al nuevo estudio y la fiesta Rock XX me donde fuimos a hacer caricaturas. Aunque, bueno, lo que nos interesa, sobre todo por estos Lares es todo lo relativo a nuestra querida Atolón Bikini. 

A raíz de este corto de Wonder Woman (que ví hace ya un tiempo y dejó un curioso poso en mi cabeza) se me ocurrió que darle un rollo de serie de televisión ochentera, a lo Equipo A, Coche fantástico... o El increíble Hulk. Imagináoslo. Atolón Bikini, una chica con poderes nucleares (aún por concretar, aunque probablemente incluyan el súper-puñetazo atómico) viajando en un impresionante Chevrolet tragagasolina desfaciendo entuertos a través de toda la geografía de los USA. Aunque a Iván sí que le gustaba esta idea, él tiraba hacia un rollo mucho más superheroico, pidiendo que Atolón Bikini sea morada o no sé qué mierdas de colores. No hay que olvidar que el origen de Atolón Bikini puede que sea o una transformación de Julka o una versión alternativa de ella. Aunque no es algo que me desagrade en sí (lo de los colores, digo) ,yo creo que esas cosas rompen un poco el tono de serie televisiva.

Iván y yo dibujando chicas desnudas.

El caso es que, pensando en todo esto, en la fiesta Heavy-Erótica, en uno de los pocos ratos libres que tuvimos me puse a dibujar mi idea de Atolón Bikini. Al estar todo bastante a oscuras, exageré las proporciones todo lo que fui capaz, haciendo unas manos y pies gigantescas (y culo y tetas también). Para la cara, fusilé un poco detalles del estilo de Shane Glines que he ido aprendiendo a lo largo de estos años, y una boca fina, sin labios. Muy de muchacho, con una sonrisa torcidísima hacia arriba, a lo Harrison Ford. Aunque unos labios bien dibujados pueden ser increíblemente "sexis", creo que una boca de línea puede darle muchísima actitud al personaje, lo que le da una gracia muy especial.

Habiendo acabado el dibujo, ví que Iván estaba distraído entre caricatura y caricatura, así que se lo endosé para que lo entintase. Al fin y al cabo, me apetecía ver un dibujo mío "bien acabado". Y bueno, este es el resultado:

Como podéis ver, no es ni su estilo ni el mío. Es una especie de híbrido bastante bonito que tiene muchas papeletas para convertirse en la Atolón Bikini definitiva. ¿Qué opináis vosotros? ¿Conseguiré salirme con la mía?

Que por cierto, se me está ocurriendo una idea nueva. ¡Ivaaaaaaan! ¿Y qué te parecería si Atolón Bikini, en lugar de ir a través de américa con su chevy...

Mario Larrá